(전회에 이어서)
타이틀은 파리시대라 명명하였지만 프랑스에 머물렀던 시기의 작품을 망라해서 소개합니다.
고갱이라는 남자가 가족을 내팽개치고 자기 좋다고 그림 그리는 일에 뛰어든 후에 파리, 브르타뉴 퐁타방, 르 폴뒤 지방을 전전긍긍했고 테오의 소개로 아를까지 갑니다. 그리고 종국에 가서는 타히티로 숨어버리는데 그 과정에 또 다른 이국지역인 마르티니크에서 1년(1887) 머무르는 기간이 꼽사리 끼어 있습니다.
좀 정신이 없는데요
일단 여기서는 파리시대와 브르타뉴 시대로 구분해서 소개하겠습니다.
브르타뉴 시대는 다시 퐁타방에서 작품활동한 것과 르 폴뒤에서 작품한 것이 포함됩니다.
파리시대
화가의 아내인 메테 소피 고갱(Mette Sophie Gauguin)은 1873년에 결혼했습니다. 이 작품에서 그녀는 바느질을 위해 몸을 숙인 채 테이블에 앉아 있습니다. 두 살 많은 그녀의 남편 고갱은 당시 성공적인 중개인으로, 인상파 수집가이자 일요일 화가로서 예술에 관심을 가지고 있던 시기였습니다.
고갱은 구스타브 아로사(Gustave Arosa)의 은행에서 일하면서 카미유 피사로(Camille Pissarro)를 만났고, 1870년대 말부터 고갱의 그림 스타일에는 피사로의 영향이 분명하게 드러납니다.
<바느질하는 수잔>은 인상주의 화법으로 그린 작품으로 가늘고 무수한 붓질을 통하여 역동하는 빛의 효과를 표현했습니다. 이 그림은 인상파 화가들이 고갱에게 미친 영향을 보여줍니다. 뼈가 큰 임산부의 육중한 살갗과 그녀의 일상적인 작업은 드가의 사실적인 시선을 공유한 것이며, 정물적인 설정과 그림의 전체적인 구상은 마네의 접근 방식을 암시합니다. 미묘한 빛의 색채를 표현한 섬세한 붓놀림과 여성의 피부에 드리워진 파란색과 녹색의 그림자는 르누아르는 물론 피사로를 연상시킵니다.
1881년 이 작품을 그릴 당시 고갱은 여전히 주식 중개 분야에서 성공적인 경력을 쌓고 있었습니다. 이것은 그의 아내 메테(Mette, 아마 직립 피아노 앞에 앉아 있는 여성)와 네 자녀를 포함한 가족에게 제공한 풍요로운 생활 방식에서 잘 드러납니다. 확고한 부르주아적 존경심은 아늑한 인테리어에 반영되어 있으며, 눈에 띄는 정물화와 테이블 위의 작은 작업 바구니를 통해 전경에서 눈에 띄는 가정의 안락함을 느낄 수 있습니다.
이 그림은 1882년 제7회 인상파 전시회에 포함되었으며, 그곳에서 고갱은 13점의 작품을 전시했고 그가 이를 조직하는 데 도움을 주었습니다. 그러나 이 그림은 당시의 전형적인 인상파 작품과는 상당히 다릅니다. 이 작품은 당시 야외에서 작업하기 위해 휴대용 캔버스를 선호했던 인상파 친구들의 더 작고 친밀한 작품보다 훨씬 더 큰 규모로 제작되었으며, 다소 어두운 색조는 전형적인 인상주의 그림에 비해 무겁다는 비평가들의 언급을 들었습니다. 메테 고갱이 이 그림을 1917년까지 개인 소장품으로 보관하게 된 것은 다소 정통적인 대우와 가족생활의 이미지 때문이었을 것입니다.
초기 작품에서 고갱은 주로 집 안팎의 가족 사진을 모티브로 가까운 주변 환경을 사용했습니다. 여기 보이는 꿈을 꾸는 아이는 1877년에 태어난 그의 딸 Aline입니다. 그러나 주된 관심사는 일상생활의 사소한 것이 아닙니다. 고갱의 주제는 삶, 꿈, 죽음에 대한 실존적 큰 질문입니다. 배경의 벽지에서 우리는 그림의 장식에 상징적 의미를 부여하는 데 관심을 가졌던 초기의 예를 볼 수 있습니다. 여기서 아이의 꿈이나 화가의 생각과 연관될 수 있는 것은 둥지를 오가는 새의 떠 있는 움직임입니다. 중앙에 위치한 강한 표정의 광대 인형도 그림에서 필수적이며 의미 있는 세부 사항입니다. 그것은 그림에 아이의 꿈에 대한 관점을 제공하는 섬뜩하고 거의 불길한 측면을 제공하며 Gauguin의 후기 작품에서 몇 번이고 반복됩니다.
이 이중 초상화에서 화가인 아버지를 따르려는 아들은 스케치북에 그림을 그리고 있고, 아버지는 작업에 열중하고 있습니다. 그림은 가족과 일이 화해할 수 있음을 암시합니다.
이 작은 초상화는 폴 고갱의 아들 폴라(Pola)가 화가의 친삼촌인 앙리(Henri)의 초상화라고 확인해 주었습니다. 폴라는 초상화의 제작 연도를 1879년으로 기재했지만, 이후 학자들은 스타일상의 이유로 1884년경에 제작한 것이라고 추정했습니다.
공식적으로도 제작년도를 1884년이라 올려놓았군요.
프랑스 후기 인상파 화가 폴 고갱(1848~1903)이 그린 1885년 캔버스에 유채, 목욕하는 여인, 디에프. 비록 화가가 인상파의 영향을 받아 그 기법을 실험했지만, 이 작품은 고갱도 자신만의 독창적인 스타일을 구축하고 있었음을 보여줍니다. (도쿄 국립서양미술관)
일본 동경 서양미술관을 다녀왔는데 이 작품을 감상한 기억이 없네요. 놓친 걸까, 치매 초기증상일까 알 수 없습니다. 임팩트가 강하지 않고 크기도 작은 편이라 그냥 지나쳤을 수도 있습니다.
브르타뉴 시대 - 퐁타방
고갱은 1886년 여름을 브르타뉴 반도의 퐁타방에서 보냈습니다. 고갱이 이곳을 고른 이유는 물가가 쌌기 때문입니다. 고갱은 다혈질에 권투와 펜싱을 즐기는 사람이었지만 이 느긋한 휴양지로 몰려드는 젊은 사람들과 새로운 친분을 쌓는데 어려움은 없었습니다. 이 시기에 고갱은 주로 풍경화를 그렸습니다. 퐁타방의 화가 모임을 주도하는 사람은 찰스 라발로 그는 고갱에게 파나마와 마르티니크의 이국적 풍광에 대해 이야기하는 걸 즐겼습니다.
1886년 여름, 고갱은 제8차 인상파 전람회에 출품하였던 피사로 화풍의 누드화를 찢어버리고 대신 풍경화 <브르타뉴의 양치는 소녀(La bergère bretonne)>를 그렸습니다. 당시 퐁타방에는 영국의 랜돌프 칼데곳이 그린 삽화를 사용한 브르타뉴 여행 안내서가 돌아다니고 있었는데 고갱은 이 안내서의 그림들을 의도적으로 따라 그렸습니다. 그러면서 새로 사귄 화가들처럼 자신의 작품도 보다 원색을 많이 쓰는 화풍으로 변화를 시도하면서 브르타뉴 지역의 소녀를 소재로 한 그림들을 그렸던 것입니다. 이때의 습작들은 나중에 파리로 돌아와 <네 명의 브르타뉴 여성> 등의 작품을 제작하는 바탕이 되었습니다.
아래, 4명의 브리타뉴 여인들 중 한 사람과 똑같습니다.
작품 제작을 위한 습작과정에서 제작된 것으로 추정됩니다.
<네 명의 브르타뉴(Brittany) 여성>은 작은 해안 마을인 퐁타방(Pont-Aven)에 거주하는 현지인의 의상과 춤을 묘사한 작품으로 브르타뉴 농민 생활에 대한 고갱의 관심을 보여줍니다. 이 작품은 브르타뉴를 테마로 한 것이지만 아마도 1886~87년 겨울 파리에서 기억과 스케치를 통해 그린 것으로 추정됩니다. 이는 고갱이 이 무렵 이미 자신의 주제를 표현하는데 대해 합성주의적 방향으로 나아가고 있음을 나타냅니다. 고갱은 여성이 착용하는 흰색 모자와 작은 숄에 주의를 기울이고 수평선을 피하고 채도가 높은 색상을 사용하여 그림 공간 내의 분위기와 거리를 억제함으로써 형태를 의도적으로 돋보이게 했습니다.
진정한 '원시적' 느낌에도 불구하고 이 작품은 정교한 허구입니다. 여자가 입고 있는 멋진 드레스는 브르타뉴 농민들이 사면 축하 행사를 제외하고는 평상시에 내팽개쳐두는 것이며, 그들은 부분적으로 번성하는 관광 무역으로 생계를 유지하고 있었습니다. 기억을 통한 작품 제작으로 고갱은 당시 그가 발견하였던 것보다 더 '원시적'인 브르타뉴인 삶에 대한 비전을 실현할 수 있었습니다.
야심차게 제작한 그림이었지만 당시 평론가들로부터 '흥을 깨는 깨어진 하모니'라는 혹평을 들었을 뿐입니다. 그러나 <네 명의 브르타뉴 여성>은 훗날 타히티에서 꽃 피운 고갱만의 혁신적인 기법이 숨겨져 있는 작품으로 평가받습니다. 고갱스타일 미술의 시작을 알리는 전조로 받아들여졌는데 이는 고갱 사후 세계 미술시장에서 일어난 재평가에 기인합니다.
<라발의 프로필이 있는 정물(Still Life with Profile of Laval)>은 고갱이 직접 만든 도자기 냄비를 포함해 다양한 무생물과 함께 자신의 제자 샤를 라발(Charles Laval)의 옆모습을 묘사한 작품입니다. 멘토로서 고갱의 역할은 라발이 1886~87년 겨울에 고갱이 파리에서 도예가 샤플렛(Chaplet)과 함께 작업할 때 만든 도자기 냄비를 응시하는 방식에서 암시됩니다. 촘촘한 대각선 붓놀림으로 처리되어 흰 천 위에 과일이 쌓여 있는 정물화는 고갱이 소장하고 있던 세잔의 <정물과 컴포티에(Still-Life with Compotier)>를 연상시킵니다. 동시에, 전경에 있는 이상하게 잘린 머리는 그해 마지막 인상파 전시회에서 고갱과 함께 전시했던 드가에 대한 오마주입니다.
샤를 라발은 후에 에밀 베르나르의 여동생 마를렌과 약혼합니다. 마를렌은 고갱의 관심을 받았지만 묵살하고 라발을 선택한 것입니다. 고갱은 파나마를 거쳐 마르티니크 섬을 답사할 때 연적인 샤를 라발과 동행한 바 있습니다. 라발은 남태평양 답사여행을 다녀온 직후 마를렌과 약혼합니다. 그러나 결혼을 약속한 라발은 얼마 뒤 32세에 폐결핵으로 사망하며, 1년 후 마를렌도 같은 병으로 세상을 떠납니다. 19세기 중반 프랑스 화단은 참 다사다란한 일들로 점철되어 있었던 것 같습니다.
고갱은 이미 <디에프의 해변(The Beach at Dieppe)>에서 해수욕을 주제로 삼았지만, 타히티에서 전개할 두 명의 여성 해수욕객이라는 주제는 그의 첫 시도였습니다. 이 작품은 1888년 2월 파리의 Boussod와 Valadon 갤러리에 전시되었습니다.
아를시대
같은 장소를 그린 고흐의 그림은 손님이 빠져나간 공간을 퀭한 시선으로 그려낸 데 비해, 고갱의 작품 <밤의 카페, 지누 부인>은 활기가 띠는 북적이는 인물들로 꽉 채워져 있습니다. 우리는 밤의 카페 그림을 통하여 성격뿐만 아니라 예술적 세계관이 너무나 달랐던 고갱과 고흐의 단면을 잘 비교할 수 있습니다.
1888년 11월, 폴 고갱은 <해바라기의 화가>라는 반 고흐의 초상화를 그렸습니다. 캔버스 앞에서 작업 중인 빈센트. 그는 왼손에 팔레트를 들고 오른쪽에는 캔버스에 닿는 붓을 든 상반신으로 그려져 있습니다. 고갱은 그림을 가로질러 튀어나온 팔의 오른쪽 캔버스 가장자리에 화가를 배치합니다. 그림 반대편에는 캔버스가 있습니다. 옆모습을 보면 이젤과 캔버스 가장자리가 보이지만 빈센트가 작업하고 있는 그림은 보이지 않습니다. 캔버스와 이젤 앞에는 빈센트가 작은 원형 테이블 위에 앉아 그림을 그린 해바라기 꽃병이 보입니다.
11월 말, 고갱과 반 고흐 사이에 긴장이 고조되기 시작했습니다. 이 그림을 그린 지 얼마 지나지 않아 빈센트는 광기를 발현했고 두 사람은 다시는 서로를 볼 수 없게 되었습니다. 반 고흐는 이 그림을 보고 "그 이후로 내 얼굴이 많이 밝아졌지만, 그것은 정말로 나였다. 그때처럼 극도로 피곤하고 전기가 충전된 나였다"고 썼습니다.
두 사람의 결말이 불행했음에도 불구하고 고갱은 항상 빈센트를 좋아했고 특히 그의 해바라기 그림을 좋아했습니다. 빈센트가 그린 해바라기를 보여주는 고갱은 반 고흐의 정수를 보여줍니다. 빈센트는 자신의 작품과 해바라기를 회고하면서 "정말로 다른 사람들보다 먼저 해바라기를 가져갔습니다"라고 말했습니다. 해바라기는 미래에 대한 생각을 염두에 두고 고갱을 위해 그려졌습니다. 좋은 일의 시작, 희망, 꿈이 결실을 맺는 것을 의미합니다. 고갱은 이것을 알고 있었고, 그것을 반 고흐의 좋은 점으로 여겼습니다. 고갱은 반 고흐의 해바라기 그림을 너무 좋아해서 그중 세 개를 소유하였습니다. <해바라기 화가>는 고갱이 그의 친구와 그가 제작하던 놀라운 작품을 기념하는 초상화입니다.
1888년 가을, 반 고흐는 아를의 공공 정원을 묘사한 일련의 그림을 그리기 시작했으며, 위 작품은 고갱이 같은 주제를 선택하여 11월 중순에 그린 또 다른 사례입니다. 그러나 처리 방법은 상당히 다릅니다. 반 고흐가 계속해서 모티프로 그림을 그린 반면, 고갱의 버전은 기하학적인 형태의 유희를 바탕으로 대담한 색상으로 처리되었는데 고도로 양식화된 특징을 보여줍니다. 지평선이나 조감도가 없기 때문에 평면적인 화면을 보이며, 이는 의심할 여지없이 일본 미술의 영향을 받은 것입니다. 배경의 물체(연못, 분수, 공원 벤치)는 마치 위에서 본 것처럼 보이는 반면, 전경과 중간 거리의 요소(서리로부터 보호하기 위해 짚으로 포장된 어린 나무 포함)는 마치 눈에 보이는 것처럼 보입니다. 전경에 있는 여성은 반 고흐와 고갱이 이미 그린 지누 부인입니다. 이 작품은 테오 반 고흐가 1888~89년 겨울에 고갱으로부터 인수한 작품 중 하나입니다.
에밀 베르나르(Emile Barnard)의 누이동생이자 라발의 약혼녀인 마들렌 베르나르는 화가들에게 영감을 불어넣는 뮤즈였습니다. 고갱은 이 여인에게 호감을 가지고 있었지만 그녀 부모의 반대로 관계를 더 이상 진전시키지 못합니다. 그리하여 그녀에게 편지도 보낼 수 없게 된 고갱이 남긴 그녀의 초상화입니다.
Paul Gauguin(1848–1903)이 Arles에서 제작한 유화는 단 두점인데 모두 Van Gogh Museum에서 소장하고 있습니다. 작품은 바로 <Joseph-Michel Ginoux의 초상화>와 <Vincent van Gogh Painting Sunflowers>입니다.
두 초상화는 형식과 마무리 수준에서 상당히 다릅니다. 해바라기를 그리는 반 고흐 초상은 고흐의 성격을 드러내 보이려 애쓴 흔적이 있으며 반면 조셉-미셸 지누의 초상은 간단히 빠르게 그려졌습니다. 심지어 미완성 상태입니다. 그것은 오른쪽 상단 모서리에서 알 수 있습니다. 크림색 바탕이 보이고 개별적으로 구별되는 몇 개의 빠르게 그려진 붓놀림이 부분적으로만 덮여 있습니다. 캔버스는 바니시도 안감도 칠하지 않았습니다.
조셉-미셀 지누가 앉아 있을 때 두 사람이 동시에 초상화를 그렸습니다. 아래에 빈센트 반 고흐가 그린 초상화를 소개하였습니다. 모델의 방향으로 보아서 고갱은 반 고흐의 왼쪽에 앉아서 초상화를 그렸을 것으로 추정됩니다. 두 초상화에서 지누는 거만함이 느껴집니다. 머리를 약간 뒤로 젖히지만 몸을 꼿꼿이 세우고, 반쯤 감은 눈으로 오만하게 아래를 내려다보며 눈앞에서 벌어지는 일을 바라봅니다. 지누의 옷차림은 그의 거만하고 멋쟁이 같은 모습에 기여합니다. 예를 들어, 그는 바이런 스타일의 더블브레스트 재킷과 크라바트를 착용하고 있습니다.
Ginoux(지누)는 아내 Marie와 함께 Yellow House에서 멀지 않은 Place Lamartine(라마르틴 광장)에서 Café de la Gare(카페 드 라 가르, 영어로 스테이션 카페)를 운영했던 인물입니다.
반 고흐는 아를에 머무는 동안 Ginoux와 친분을 쌓았습니다. 1888년 9월 중순, 그가 Yellow House를 스튜디오이자 거주 공간으로 사용하기 시작하기 전까지 Café de la Gare 위에 있는 숙소에서 5개월을 보냈습니다. 게다가 Yellow House를 빌릴 가능성에 대해 소개해준 사람은 지누였습니다. 반 고흐는 Marie와 Joseph가 스튜디오에서 포즈를 취하는 것을 매우 간절히 원했지만 설득력이 부족했고 이를 실현하려면 Gauguin의 도움이 필요했습니다. 위 초상화는 그런 과정을 거쳐 제작된 것으로 보입니다.
브르타뉴 - 퐁타방
고갱의 작품 <춤추는 브르타뉴의 소녀들>을 보면 다수의 프랑스인들과 구별되는 흰 모자와 전통의상을 입은 모습이 보입니다. 그것은 이유가 있습니다.
아래 지도에서 보는 바와 같이
브르타뉴는 프랑스 북서쪽 해안, 영국의 서쪽지역과 연결된 사람들이 살던 곳입니다. 그 역사는 약 6세기경까지 거슬러 올라갑니다. 고갱이 브르타뉴를 애정하였던 것은 그가 영국 친화적인 인물이라기보다는 이 지방 사람들이 과거의 전통과 문화를 간직하고 있기 때문이었습니다. 그것이 근대화되어 가는 도시문명으로부터 탈출하고픈 성향을 가진 고갱의 감성을 자극했습니다.
6세기 Briton의 영향력이 미쳤던 지역을 살펴보니 영국 웨일즈 지방에 그 뿌리를 두고 있습니다. 대륙 쪽으로는 프랑스 북서부해안과 이베리아 북쪽해안(현대의 포르투갈과 스페인의 경계구역)까지 진출한 것을 알 수 있습니다.
고갱은 퐁타방에서 이 그림을 기린 후, 고흐에게 편지를 보냅니다.
편지에는 그림을 그린 동기와 작업내용에 대한 상세한 기록이 담겨있습니다.
유럽인(여기서는 프랑스인과 네덜란드인)들은 소통과 교류를 굉장히 중요하게 여겼던 것 같습니다. 그리고 이러한 인간관계는 작품 창작과정에서 분발하고 노력하는 분위기를 만들어 서로에게 상승작용을 하지 않았나 여겨집니다.
폴 고갱이 빈센트 반 고흐에게 보낸 편지. 퐁타방, 1888년 7월 22일 일요일경.
사랑하는 빈센트
방금 당신의 흥미로운 편지를 읽었고, 정확성이 예술에 기여하는 약간의 중요성에 대해 전적으로 동의합니다.
예술은 추상입니다. 불행히도 우리는 점점 더 오해받고 있습니다. 우리가 우리의 목표를 달성한다면, 즉 제가 프로방스에 온다면 정말 좋겠습니다. 저는 항상 투우를 제가 이해하는 대로 제 방식대로 해석하고 싶었습니다. 저는 제 능력을 완전히 회복하기 시작했습니다. 제 병은 저를 약화시켰고, 가장 최근의 연구에서는 지금까지 해왔던 것보다 더 나아간 것 같습니다. 물론, 이 주변의 무례한 사람들은 제가 완전히 미쳤다고 생각하지만, 저는 그게 기쁩니다. 제가 그렇지 않다는 것을 증명하기 때문입니다. 방금 브르타뉴 레슬링을 끝냈는데, 당신도 좋아할 거라고 확신합니다.
두 아이, 파란색 트렁크 한 켤레, 주홍색 한 켤레. 오른쪽 위에 한 켤레, 물에서 올라옴.
푸른 잔디밭 - 순수한 베로네즈가 크롬 옐로우로 변색되어 일본 판화처럼 아무런 처형도 없음.
맨 위에는 거품이 이는 물, 흰색 분홍색, 그리고 프레임 근처 가장자리에 무지개가 있음.
맨 아래에는 흰색 패치, 검은색 모자, 파란색 작업복이 있음.
일본 동경 국립서양미술관에서 소장하고 있는 이 작품을 그렸을 때 고갱은 점차 상업화되고 있던 퐁타방의 브르타뉴인 생활을 '원시적'으로 묘사하는 소재를 모두 소진했습니다. 1889년 7월과 8월, 그리고 다시 10월에 그는 브르타뉴 생활 보다 더 이국적인 작품을 담아내기 위해 더욱 외진 르 풀뒤(Le Pouldu) 지역으로 갔습니다. 이 캔버스는 그가 이때 경험했던 양면적인 감정을 보여줍니다.
이 테마는 <네 명의 브르타뉴 여성(Four Breton Women)>만큼 아름답기 때문에 브르타뉴의 외딴 생활 방식에 대한 파리 미술애호가의 관심을 끌었을 것입니다. 그러나 동시에 그는 소녀들의 거친 발을 과도하게 확대하고 사악한 표정을 짓는 인상을 만들어 냄으로써 의도적으로 이미지를 조작했습니다. 더 투박하고 더 매력적으로 보이도록 말이죠. 또한 화려하고 단순화된 배경에 두 소녀의 서로 연결된 모습을 표현하여 강인한 이미지 연출도 시도했습니다.
브르타뉴 - 르 폴뒤
이 초상화는 고갱의 가장 친한 친구 중 한 명인 네덜란드 화가 마이어 드 한(Meijer de Haan)을 사상가의 포즈로 묘사한 작품입니다. 여기에는 마이어의 종교와 철학에 대한 고민을 반영한 두 권의 책을 보여주고 있습니다. 존 밀턴(John Milton)의 '잃어버린 낙원'과 토마스 칼라일(Thomas Carlyle)의 '사르토르 레사르투스(Sartor Resartus)'입니다. 칼라일의 중심 인물은 등불 아래서 정직한 사람을 찾던 그리스 철학자의 이름을 따서 디오게네스(Diogenes)라고 불리는데, 이 그림 속의 등불은 이러한 내용을 상징하려는 것으로 보입니다. 이 작품은 원래 두 예술가가 머물렀던 프랑스의 작은 해안 마을인 르 풀뒤(Le Pouldu)의 여관 문을 장식하는 패널의 일부로 제작된 것입니다. 의도하기로는 워싱턴 D.C. 국립 미술관에 소장되어 있는 고갱의 자화상 옆에 걸기 위한 것으로 알려져 있습니다.
1888년 10월, 고갱은 반 고흐가 오랫동안 꿈꿔왔던 예술가 공동체 구축에 참여합니다. 빈센트 반 고흐의 초대를 받아 아를로 갔던 것입니다. 고갱은 10월 20일에 도착했는데 2달이 지난 12월 25일이 되자 모든 희망은 사라졌고 모든 계획은 물거품이 되었습니다. 흔히 이야기되는 비극이 발생된 거죠. 우리가 모두 익히 들어 알고 있는 이야기대로, 반 고흐가 자신의 귀를 그었을 때 고갱은 그 격렬한 친구를 다시는 만나지 못한 채 도망가버렸습니다.
고갱은 파리로 돌아와 화가이자 미술 교사이자 미술 수집가였던 그의 친구 Claude-Émile Schuffenecker(1851-1934)와 함께 몇 달을 보냈습니다. 그는 여기서 위에 소개한 친구의 가족을 그린 작품을 남겼습니다. 흥미롭게도 가족그림에는 아내와 아이들이 중앙에 있고, 남편이 배경에 있습니다.
고갱은 일본 판화의 영향도 받았는데, 이는 그에게 장식 효과에 매료되게 하였습니다. 장식적 기법은 일본 우키요에와도 선이 연결되어 있었군요. 고갱은 여타 인상파 화가들처럼 일본 미술을 자주 언급했으며, 슈페네커 가족(The Schuffenecker Family)과 같이 그림 속에 일본 판화를 포함시켰습니다.
Ondine(또는 Undine)은 물의 요정과 기사의 중세 사랑 이야기, 그리고 그들의 결합으로 인해 발생하는 어리석은 이야기입니다. Undine이라는 제목의 독일 낭만적 소설은 Friedrich Heinrich Karl, Baron de la Motte Fouqué가 썼습니다. 고갱의 그림은 책의 한 삽화입니다.
1889년 10월, 고갱은 브르타뉴의 외딴 마을인 르 풀뒤에 있는 마리 앙리(Marie Henry)의 여관에 정착했습니다. 그는 <The Yellow Christ>, <The Green Christ> 및 <The Calvary>, <La Belle Angèle>과 같은 작품을 차례로 제작했습니다. 이 작품들은 그가 시각, 조형적 형태, 기술을 똑같이 능숙하게 통제하면서 자신의 예술을 완전히 소유하고 있음을 보여줍니다.
고갱은 벨 앙젤(Belle Angèle) 근처에 움직이지 않고 신비한 그의 첫 번째 우상을 세웠습니다. 그는 의심할 바 없이 페루 북서부 해안의 치무(Chimu) 도자기와 등자 초상화 꽃병에서 영감을 얻었습니다. 고갱 가문의 가문은 페루 사람이고 그가 페루 꽃병에 대해 잘 알고 있었다는 확실한 증거가 있습니다.
이 그림은 고갱이 브르타뉴 르 풀뒤(Le Pouldu)에 머무는 동안 그린 것입니다. 메이어 드 한(1852-1895)은 네덜란드 산업가로 그의 공장을 형제들에게 팔고 그림을 공부하기 시작했습니다. 그는 프랑스에 정착한 후 파리에서 그는 피사로, 테오 반 고흐, 폴 고갱을 만났고, 브리타니로 동행했습니다. 처음에는 퐁타방으로, 나중에는 브리타니 해안의 르 풀뒤로 갔습니다.
고갱의 초상화 배경에는 신성한 것들이 존재하는데, 그는 반 고흐에게도 영감을 준 상징주의 교리에 따라 얼굴과 표현적인 조화를 이루기를 원했습니다. 너바나(Nirvana)의 메이어 드 한(Meyer de Haan) 주변에는 이상하고 괴로운 얼굴들이 소용돌이치고 있습니다.
고갱은 신성한 것을 음울하고 처녀적이고 야만적인 힘과 연결된 것으로 여겼습니다. Gauguin은 그림과 그래픽에서 Meyer de Haan을 여러 번 묘사했습니다. 그는 또한 고갱의 후기 그림인 야만적인 이야기(Barbaric Tales)에도 등장합니다.
앉아 있는 첼리스트의 인상적인 초상화는 고갱의 마지막 프랑스 작품 중 하나입니다. 이 그림은 1894년 첫 달에 그려졌습니다. 왼쪽 상단 캔버스에 새겨진 이상한 제목인 Upaupa Schneklud는 고갱의 첫 번째 타히티 체류에 대한 언급과 시터의 성이 결합된 것입니다.
시터(모델)는 일반적으로 스웨덴 첼리스트 Fritz Schneklud라고 알려져 있었습니다. 그러나 이후의 연구에 따르면 이 첼리스트는 1859년 파리에서 태어난 프랑스인 프레데릭 기욤 슈네클뤼드(Fréderic-Guillaume Schneklud)로 밝혀졌습니다. 그의 가족은 독일 출신으로 폴란드에서 파리로 이주했습니다.
한편으로는 그림 속의 첼리스트가 고갱과 닮았다는 점에서 이 그림이 자화상이라는 추측도 있었습니다. 그러나 나중에 발견된 Schneklud의 사진을 보아 그런 추측은 사그라들었습니다. 캔버스에 새긴 '우파우파(upaupa)'는 고갱이 처음 타히티에 머물렀을 때 즐겼던 타히티의 전통 춤을 가리킵니다.
두 번의 타히티 체류 사이에 퐁타방으로 돌아온 고갱은 오세아니아로 떠나기 전에 그에게 영감을 주었던 시골과 순진한 주제를 재발견하게 되어 기뻤습니다. 즉 이 그림은 두 번에 걸친 타히티 여행 사이에 퐁타방(Pont-Aven)에서 그린 작품으로 이 그림에서 그의 첫 번째 타히티 체류의 영향을 분명하게 볼 수 있습니다.
여기 등장하는 브르타뉴 여성의 모습은 그의 타히티 누드와 유사합니다. 즉 캐릭터들의 탄탄한 실루엣은 오세아니아 누드의 충만함을 연상시킬 뿐 아니라 거대한 발과 손, 높은 광대뼈를 가진 얼굴과 같은 형태학적 특징도 차용하고 있습니다. 수확된 밀을 배경으로 두 브르타뉴 여성 사이의 대화가 진행되는 동안 애니메이션 풍경이 펼쳐집니다. 땅바닥에 몸을 굽힌 남자가 들판에서 일을 하느라 바쁘고 그 뒤에는 두 여성의 실루엣이 지나갑니다. 키 큰 나무들로 둘러싸인 이중 농가가 지평선을 닫습니다. 그들의 배열은 풍경에 강한 리듬을 부여하며, 밝은 색상의 사용으로 그 진부함이 확대됩니다. 고갱은 노란색, 빨간색, 녹색, 파란색이 지배적인 생생한 팔레트를 위해 중간색을 희생했습니다.
고갱은 친구 몽프레이드에게 다음과 같이 털어놓으며 섬에 대한 향수를 표현합니다. "12월에 나는 파리로 돌아가서 내가 소유한 모든 것을 팔기 위해 매일 일할 것입니다. 돈이 내 주머니에 들어오면... , 오세아니아로 떠납니다... 그 무엇도 제가 떠나는 것을 막을 수 없으며 영원히 지속될 것입니다."
(계속)
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