(전회에 이어서)
이중 초상화
“현실과 비현실, 일상과 상상을 넘나드는 그림을 그리면서 평소 눈여겨본 실존 인물들을 하나의 아이콘으로 작품 속에 종종 등장시켜왔다. 최근 개인전에서는 가장 좋아하는 작가인 데이비드 호크니의 전시를 보러 갔던 2017년 런던 여행을 작은 테마로 활용했다. 당시 테이트 모던 전시를 보며 흥미로웠던 것은 12개 섹션 중 2인의 초상화가 모여 있던 5번 섹션에 가장 많은 사람이 있었다는 점이다. 호크니를 알린 것은 ‘수영장’ 시리즈였고 최근 작은 요크셔 지역의 사계 풍경이지만 개인적으로 ‘두 명의 초상화’ 시리즈를 가장 좋아하는데 타인들도 크게 다르지 않다는 것을 확인할 수 있었다. 가장 전통적인 매체인 회화를 다루지만 호크니는 언제나 새로움에 열려 있다. 1960~1970년대에는 아크릴 물감을 적극적으로 썼고, 사진 콜라주와 아이패드 드로잉까지 새로운 매체에 거부감이 없다. 게다가 그는 삶 전체를 통해 창작을 실천하고 즐기는 것으로 보인다. 매일 아침 지인들에게 아이패드 드로잉을 보내고 여든이 넘은 나이에도 왕성한 창작 활동을 하고 있다. 수많은 역사적 명화들이 붙은 그의 작업실 사진을 본 적이 있다. 그의 치밀한 구도와 색, 붓질 등 모든 것은 과거를 철저히 해석한 후 택한 그의 진보다. 호크니에 대해 이야기할 때 대부분 작품 금액이나 성 정체성에 관심을 갖지만, 그가 역사를 어떻게 바라보고 활용하는지 눈여겨볼 필요가 있다고 생각한다.”
- 회화 작가 서상익
The Met의 큐레이터인 Geldzahler(겔트잘러)와 그의 파트너인 화가 Christopher Scott(크리스토퍼 스콧)을 모델로 세운 David Hockney의 세 번째 이중 초상화는 그의 명성을 확보하는 디딤돌이 되었습니다. Barney A. Ebsworth Collection의 이 걸작은 3,700만 파운드 이상의 금액으로 낙찰되었습니다.
1968년 30세의 데이비드 호크니는 각각 7피트 x 10피트의 기념비적인 7개의 캔버스 시리즈 제작을 시작했습니다. 영국 작가 크리스토퍼 아이셔우드(Christopher Isherwood)와 그의 파트너 미국 화가 돈 바처디(Don Bachardy), 미국 수집가 프레드(Fred)와 마샤 와이즈먼(Marcia Weisman)의 그림으로 시작된 이 시리즈는 훗날 호크니의 '이중 초상화'로 불려지게 되었습니다.
호크니는 뉴욕 왕립예술대학을 졸업한 이듬해인 1963년 앤디 워홀의 '공장'에서 겔드잘러를 만났습니다. 당시 Geldzahler는 메트로폴리탄 미술관의 젊고 성공적인 큐레이터였으며 뉴욕 현대 미술계의 중심 인물이었습니다. Warhol은 Geldzahler가 '내 모든 아이디어를 주었다'고 말한 적이 있으며 그가 시가를 피우는 90분짜리 영화를 만들었습니다. 위 작품에서 소파에 앉아있는 인물이 Geldzahler입니다.
<Isherwood-Bachardy 이중 초상화>는 게이 커플이 수십 년 동안 공유했던 캘리포니아 산타모니카에 앉아 있는 모습을 보여줍니다. Christopher Isherwood(크리스토퍼 이셔우드)는 영국의 유명한 작가였으며 그의 파트너인 Don Bachardy(돈 바샤르디)는 미국의 시각 예술가였습니다.
1952년 말리부(부부의 집 거실에서 보이는 해변)에서 48세의 Isherwood는 18세의 Bachardy를 만났습니다. 30세의 나이 차이에도 불구하고 1986년 Isherwood가 암으로 사망할 때까지 이들은 직업적, 감정적, 성적으로 진정한 파트너 관계를 유지했습니다.(오마이갓!)
1967년과 1969년 뉴욕 그리니치 빌리지에서 일어난 스톤월 폭동은 주로 미국 동성애자 인권 운동의 시발점으로 여겨집니다. Isherwood와 Bachardy도 개인적인 혼란과 변화의 시기를 겪고 있었습니다. 각 아티스트의 작업과 경력에 대한 압박감, 떨어져 있는 동안 다른 성적 파트너에 대한 방황하는 시선, 세기 중반 미국에서 게이 커플이 직면한 적대감은 관계를 끝낼 위험에 가까웠던 두 남자에게 큰 부담이 되었습니다.
<American Collectors(Fred and Marcia Weisman)>는 LA에서 온 미국 미술 수집가 부부인 Frederick(프레드릭)과 Marcia Weisman(마샤 와이스먼)을 묘사하고 있습니다. 당시 호크니는 <American Collectors>와 동시에 <Christopher Isherwood와 Don Bachardy> 이중초상화를 작업했습니다. 이 이중 초상화는 의뢰한 것이 아니라 호크니의 관심에서 그려졌기에 그런 동시 작업이 가능했던 모양입니다. 그러나 <American Collectors>는 Hockney의 관점 변화를 반영합니다. 이전에는 이중 초상화의 대상이 대상과 관련이 없었습니다.
<American Collectors>의 주제는 남녀의 매우 다른 신체 언어입니다. 수수께끼같은 제스처 혹은 포즈입니다.
살펴 볼까요? 여자는 한 팔로 다른 한 팔을 옆으로 잡고 관객을 정면으로 마주하는데, 그녀의 몸짓은 수줍음이 많거나 약간 불안하다는 것을 암시합니다. 그렇지만 자신의 작품 컬렉션 사이에 서 있다는 자부심도 있어 보입니다. 반대로 주먹을 꽉 쥐고 옆으로 서 있는 남편은 상당히 긴장된 모습입니다. 거의 얼어 있습니다. 이들 부부의 몸짓은 관람객들에게 궁금증을 자아내게 합니다.
집과 배경에 포함된 파란색과 밝은 녹색 음영은 같은 필드에 배치되어 평면성을 강조합니다. 마치 집과 배경이 커플을 소개하는 것 같습니다. 그림의 크기는 보는 사람을 끌어들이기에 부족함이 없습니다.
Hockney의 그림은 이미지를 가장 단순한 형태로 표시하고 약간의 변형으로 초현실적인 장면을 연출합니다. 주제를 더욱 확장시키는 그림의 상징적 특징은 와이즈만 씨의 손입니다. 그는 주먹을 쥔 채 서 있고, 마치 그가 너무 세게 쥐어짜는 것처럼 그의 주먹에서 물감이 떨어져 그림에 물감이 흘러내리고 있습니다.
호크니의 초상화는 그의 내면에 있는 사람들의 삶을 엿볼 수 있게 해줍니다. 파리 스튜디오에서 그린 <Shirley Goldfarb와 Gregory Masurovsky>를 위해 Hockney는 르네상스의 선형 원근법을 연상시키는 틀에 얽매이지 않는 무대 같은 설정을 배치했습니다. 뒤로 젖혀진 커튼은 두 개의 책장 아래 탁자에 앉아 있는 Masurovsky의 모습을 보여주며, 아마도 판화 제작자이자 타이포그래퍼로서의 그의 작업에 대한 암시를 나타내는 듯합니다. 그녀의 시그니처 비트닉 스타일의 중심 무대인 Goldfarb는 부부의 요크셔 테리어와 별도의 공간에 있는 것처럼 보입니다. 그녀의 그림 중 하나가 뒤에 있는 벽에 걸려 있습니다.
2인 초상화 <George Lawson and Wayne Sleep(조지 로슨과 웨인 슬립)>은 호크니의 섬세함을 느낄 수 있는 작품으로, 그가 고정시점을 극복하기 위해 3년간 매달렸지만 결국 미완성으로 남겨진 것입니다. 이 작품은 1968년~1977년 사이에 호크니가 그렸던 일련의 이중 초상화 중 마지막 그림에 해당합니다.
그림에서 골동품 서적상인 George Lawson은 벽에 붙은 클라비코드 의자에 앉아 있습니다. 그의 오른손은 건반의 키를 누르고 있으며 몸은 왼쪽에 있는 열린 창을 향하고 있습니다. 클라비코드 왼쪽의 출입구에서 발레 댄서 Wayne Sleep이 왼쪽 팔꿈치로 문틀에 기대어 다리를 꼬고 서 있습니다. Sleep의 캐주얼한 포즈와 의상(티셔츠, 흰색 바지, 특파원 신발)은 로손의 포멀한 의상(녹색 수트, 나비 넥타이, 광택이 나는 검은색 구두)과 대조적입니다. 그림의 배경은 런던 Wigmore Place에 있는 Lawson의 아파트였습니다.
Sleep은 런던 Royal Ballet의 스타 공연자 중 한 명인데, 1967년 Lindy Dufferin(린디 더퍼린, Hockney 딜러 Kasmin의 비즈니스 파트너인 Sheridan Dufferin의 아내)의 소개로 Hockney는 그와 친구가 되었습니다. 그후 로슨에게 Sleep을 소개한 사람은 Hockney였습니다. 음, 얘들 관계가 복잡하네요.
그림의 주요 영역은 오른쪽 절반을 차지하는 벽이 지배하는 Lawson의 황량한 메인 룸입니다. Sleep의 영역은 레드 카펫 방인데 로손의 영역까지 확장되어 클라비코드 아래 방의 가장자리를 따라 이어집니다. 호크니는 1972년 6개월 동안 이 그림을 그리는 데 시간을 보냈고, 12월 런던의 카스민 갤러리에서 열리는 그의 전시회에 맞춰 그림을 완성하려고 애썼고 여러 번 다시 그렸습니다. 그는 구도를 통합하기 위하여 빛이 Sleep과 lawson을 둘러싼 관계를 비춘 다음 방의 오른쪽 모서리를 향해 사라지도록 묘사했습니다.
Lawson은 나중에 Hockney가 그림을 그릴 때 직면했던 어려움을 회상했습니다. David는 조명을 제대로 받기 위해 애를 썼고, 자신이 해야 했던 가장 어려운 일 중 하나라고 말했습니다. 바로 빈 벽에 페인트칠을 하는 것이었습니다. 그는 어느 시점인가 New Temple Shakespeare의 사본을 그림에 포함시켰습니다. 이것은 서점이라는 직업에 대한 경의의 표시였습니다. 지금은 캔버스의 오른쪽 하단 모서리에 다소 이상한 파란색 얼룩이 있습니다. 원래 옥스포드 영어 사전의 두 권으로 된 상자 세트의 일부였으며 책과 함께 그림에 포함되어 있었습니다. 거기에 파란색 선이 남아 있습니다. 그는 그것을 남겼습니다. 그것은 매우 이상하지만 의도적으로 느껴집니다.
Hockney는 또한 Lawson이 그곳에서 그를 위해 포즈를 취할 수 있도록 클라비코드를 스튜디오로 옮겼고 그림 배치를 돕기 위해 만든 큰 컷도 있었습니다. 그러나 그는 그 그림이 자신을 이겼다고 느꼈고 결국 전시하지 않았습니다.
David Hockney는 Paul Cadmus(폴 카드머스)와 마찬가지로 공개적인(커밍아웃한) 게이 화가였습니다. 영국에서 동성애가 여전히 불법이었지만 동성애 테마는 그의 작업에서 중요한 표현수단이었습니다. 그는 또한 그들보다 훨씬 어리지만 카드머스(Cadmus)와 첼리츄(Tchelitchew) 세대의 게이 남성들과 친구가 되기도 했습니다.
버클(Buckle)은 1930년대와 그 이후의 발레와 연결된 게이 예술가로, 영국 최초의 발레 잡지를 창간했으며 Diaghilev와 Nijinksy의 중요한 전기를 저술했습니다. 이 그림에서 호크니는 버클과 마술사 더펜 코리를 짝지었습니다. 그림은 두 남자의 나이차에 초점을 맞추는 듯 하며, 두 사람의 관계(혹은 결핍)를 모호하게 만들거나 남겨두고 있습니다.
스포티한 스웨터를 입은 더펜은 확고한 이목구비와 젊음을 상징하듯 풍성한 머리를 자랑하며 버클을 쳐다보지도 않고 완전히 자기 도취에 빠진 듯한 모습입니다. 반면에 점점 심해지는 백발과 가느다란 이목구비가 나이를 나타내는 버클은 우아한 옷차림을 하고 있습니다. 그는 더펜을 바라보고 있는데, 살짝 유쾌한 표정에 모호함이 깃들어 있습니다. 여기서는 추측할 수만 있을 뿐입니다. 아마도 그가 Duffen의 에로틱한 매력을 인정하는 동시에 그것이 미성숙과 불가분의 관계에 있다는 추측도 가능할 듯싶습니다.
인물화
이 두 작품은 호크니가 현대미술가로서 어떤 방식을 취할지 고민한 흔적을 보여줍니다. ‘결혼’이란 주제를 두고 그가 어떻게 자신의 회화를 발전시켜 왔는지를 여실히 드러내고 있습니다.
작가가 전경과 배경을 먼저 그린 다음, 그렸던 커플들과 커튼, 벽지를 콜라주한 것 같습니다. 상자 같은 구성은 결혼 개념에 대한 중요한 맥락을 만듭니다. 마치 방송에 나온 것처럼 두 사람의 모습이 그려지며 불편한 자의식이 있습니다. 안경 쓴 신랑의 얼굴은 상당히 칙칙합니다. 그리고 배경은 커튼을 제외하고 모두 검은색입니다. 신부의 얼굴은 감정 표현이 전혀 없는 미라 같은 모습입니다.
전경은 모자이크 카펫과 와인과 유리 컵, 붉은 꽃을 놓는 유리 책상으로 밝고 화려합니다. 상반신과 하반신의 구성이 상반된 색조를 띠고 있어 그림의 아이러니한 분위기를 자아내고 있습니다. 남성의 모습은 호크니의 자화상입니다. 결혼식은 기쁨과 행복이어야 하는데 두 번째 결혼은 특히 남자의 기분이 확실히 다릅니다. 마치 강제로 결혼하게 된 것 같습니다. 결혼은 사랑의 무덤이라고 하는 말도 있듯이.
<Play within a play, 劇中劇>는 친구 존 카스민(John Kasmin)의 사진을 바탕으로 그린 것입니다. 존 카스민은 호크니가 왕립 미술학교를 졸업하자 3년간 그의 작품을 전담 계약한 화상(畵商)이었습니다. 작품 속 인물은 불가능하도록 좁은 공간에서 커튼 앞에 서 있으며, 캔버스에 직접 칠한 다른 부위와 달리 그의 몸이 유리에 닿는 지점은 그림 위에 놓인 유리판에 페인트칠을 하여 완성시켰습니다. 실제라 보이는 것은 환상이며, 환상이라 보이는 것이 실제로 거기에 있음을 표현하려 한 것입니다.
데이비드 호크니(David Hockney)가 로스앤젤레스의 후원자 베티 프리먼(Betty Freeman)을 그린 작품 <비벌리 힐스 주부(Beverly Hills Housewife)>입니다. 12피트의 이중 캔버스는 파티오(patio, 안뜰)에 서 있는 분홍색 외피의 수집가를 보여주고, 옆에는 얼룩말 무늬 코르뷔지에 라운지 의자와 추상 조각이 있습니다.
Freeman은 87세에 췌장암으로 사망했습니다. <Beverly Hills Housewife>는 Freeman의 부동산에서 판매되는 20점의 작품 중 하나였습니다.
영국 브래드포드 태생의 화가 David Hockney는 1960년대 미국 사회의 개방성에 이끌렸습니다. 특히 로스엔젤레스의 발랄함에 필이 꽂혔습니다. 1966년에 도착한 남부 캘리포니아의 조명, 색상, 화려하고 현대적인 주택을 경험하면서 호크니는 수영장, 인테리어 및 연인의 초상화를 그립니다. Hockney는 여기서 자신의 섹슈얼리티를 탐구할 수 있었습니다. 그가 그린 연인이자 동료 화가인 Peter Schlesinger의 초상화가 <The Room, Tarzana>입니다.
<Tarzana의 방>에서 그는 조각적 형태, 빛, 원근법을 훌륭하게 결합했으며, 이는 그가 고전 이탈리아 화가들에게서 관찰할 수 있는 밝고 변조되지 않은 색상의 보다 현대적인 확장으로 표현해낸 것입니다. 캔버스에서 전통적인 원근감의 깊이와 평평한 표면 사이의 흥미로운 긴장을 초래되고 있습니다. 오른쪽의 열린 창문에서 침실을 비추는 강한 캘리포니아 조명은 호크니가 그의 연인 Peter, 침대 및 사이드 테이블과 같은 현대적인 주제에 대한 전통적인 chiaroscuro 효과를 탐색할 수 있게 했습니다. 이 작품의 거대한 스케일과 평면적 블루스의 광활함이 관객을 순수한 형태의 경험으로 끌어들이기 시작하는 것처럼, 우리는 성적으로 취약한 상태에서 침대에 쭉 뻗은 그의 몸을 응시하는 연인의 시선에 사로잡히게 됩니다. 피터는 셔츠와 양말을 신은 채 엎드린 상태로 몸을 숙인, 여유롭지만 각성한 준비태세를 보여줍니다.
<클라크 부부와 퍼시>는 몇년전 서울시립미술관에서 열린 데이비드 호크니 전에서 직접관람하였을 때 매료된 작품입니다. 실제 미술관에 가서 직접 작품을 보면 정말 멋집니다. 벽체를 칠한 색상까지 멋지게 보입니다.
<클라크 부부와 퍼시>는 완성된 직후 테이트 미술관에서 인수하였고, 당대의 아이콘으로 자리잡아 큰 사랑을 받은 작품입니다. 자신의 주변 사람들과 세계에 감성적으로 반응하며 이미지를 제작했던 호크니는 인물과 공간 그리고 깊이를 조화롭게 표현하는데 집중했습니다. 작품의 배경이 되는 패션 디자이너인 두 부부의 런던 신혼집 아파트를 택한 이유를 두고 호크니는 "침실의 부드러운 빛이 마음에 들어 그림을 그렸다"라고 말했습니다. 사진으로는 표현 불가능한 인물의 광채를 활용하면서도 현실적으로는 묘사가 어려운 디테일과 가시성을 확보하였습니다.
<David Webster 경의 초상화>는 웹스터의 런던 로열 오페라 하우스 총국장 은퇴를 기념하기 위해 제작되었습니다. 이 초상화는 호크니가 지인의 초상화만 그리던 시기에 처음으로 의뢰받은 초상화로, 오페라 하우스에 수십 년 동안 걸려 있었습니다.
사랑하는 친구이자 연인인 이브 마리 에르베(Yves-Marie Hervé)가 파리의 비오는 오후에 루브르 박물관까지 걸어가는 모습을 절묘하게 표현한 작품입니다. 데이비드 호크니(David Hockney)의 <빗속의 이브 마리>는 놀라운 특수성과 심오한 심리적 깊이를 훌륭하게 포착해내고 있습니다.
깨끗하고 경제적인 디테일의 사용으로 표현된 <빗속의 이브 마리>는 호크니가 그의 그림에 형식 자체를 능가하는 무형의 분위기 감각으로 가득 채우는 탁월한 능력을 아름답게 보여줍니다. 여기에서 그가 표현하고자 했던 주제는 비오는 파리 오후의 낭만과 Yves-Marie의 내성적인 고독으로 보여집니다.
호크니는 그의 부모인 케네스 호크니와 로라 호크니(Kenneth and Laura Hockney)를 그리는 데 두 번 실패한 후에 이 작품을 완성했습니다. 그들은 Hockney를 위해 포즈를 취하는 데 몇 시간을 보내면서 이전 버전을 포기했을 때 좌절했습니다. 그러나 Hockney의 여동생인 Margaret은 <My Parents>에 대해 '엄마와 아빠가 매우 자랑스러워했고 모든 모임이 가치 있다고 느꼈습니다'라고 말했습니다. 뭐, 부모란 다 그런거지..
Kenneth와 Laura의 포즈는 그들의 성격을 반영합니다. Laura는 시청자를 직접 응시하고 있는 반면, 앉아있을 때 안절부절 못하는 것으로 유명한 Kenneth는 자신이 관찰되고 있다는 사실을 잊어버린 듯 책을 읽는 모습을 보여줍니다.
오른쪽 작품은 호크니가 그의 그림 조수 J.P. 곤잘레스 데 리마를 그린 것으로 그에게 요구한 포즈는 빈센트 반 고흐에 대한 경의를 표한 것입니다. 이 무렵 호크니는 수 많은(아마도 82명) 인물그림을 그렸는데 품질적으로는 그다지 평가받을 수준은 못된다고 생각됩니다. 저의 입장에서 데이비드 호크니의 작품 활동에 대해서 코멘트하자면, 일부는 좋고 일부는 그저그렇고 일부는 별 가치 없다는 생각을 가지고 있는 편입니다. 그의 성정체성에 대해서도 비호감입니다.
대체적으로 서양 미술계에서 이름을 날린 화가들 중에는 똘아이들이 많은 것 같습니다. 그 똘끼가 예술로 승화된 결과인지도 모르지만 말이죠. 암튼, 데이비드 호크니나 21세기 현대미술의 우상으로 떠오른 상당수의 인물도 그러하고 19세기 인상파 화가들 중에도 그런 내력을 가진 사람들이 많습니다.
참 신기한 일입니다..
2014년 8월에서 9월 사이 호크니는 앙리 마티스(Henri Matisse) 작품을 오마쥬한 듯 5편의 <Dancer> 연작을 그립니다. 추상적인 배경의 산 꼭대기에서 그룹인물들이 춤을 추는 모습을 담았는데 5개의 작품 중에서 그나마 마지막 작품이 완성도면에서 제일 나아 보였습니다.
이 작품은 Royal Academy of Arts에서 David Hockney가 82개의 초상화와 1개의 정물 전시회를 개최하였을 때 전시하였던 것 중의 하나입니다. 앞에서도 언급했듯이 말년에 제작된 평범한 인물들의 초상화 작품들은 날림으로 만들어진 느낌(사견임)이 있어 대표로 한 작품을 소개하였습니다.
David Hockney가 Edith Devaney에게 초상화를 그려도 되는지 물었을 때 그녀는 그가 시터에게 아첨하지 않는 화가라는 것을 알고 있었습니다. 그녀는 영국 최고의 현대 예술가가 그린 것을 영광으로 생각했기 때문에 겁에 질린 것이 아니라 "허영심이 전혀 없는" 포즈를 취했습니다. Devaney는 지난 2년 반 동안 그의 LA 스튜디오에서 Hockney를 위해 포즈를 취한 가족, 친구 및 동료 82명 중 한 명입니다. 여기에는 Barry Humphries, 예술가의 형제 John과 Margaret, 그의 가정부 및 냉장고 수리공과 같은 인물들이 포함됩니다.
Devaney는 쇼의 큐레이터입니다. 그녀의 초상화를 그린 것은 뜻밖의 특권이었습니다. 그녀는 전에 그림의 모델이 된 적이 없었기에 그의 작업실을 방문했을 때 깜짝 놀랐습니다. 호크니가
"당신이 저를 위해 앉아주셨으면 합니다."
라고 말했기 때문입니다. 이후, 그림으로 그린 자신을 마주하였을 때, 그녀는 새로운 시각으로 자신을 보았다고 말합니다. 그녀의 어머니는 단번에 알아차렸지만 자신은 사진이나 거울에서 눈치채지 못했던 표정의 진지함에 놀랐습니다. 그녀는 머리를 손에 들고 앞으로 몸을 기울이는 자신의 포즈가 대화에 몰두할 때 취하는 포즈라는 것도 알지 못했습니다.
Bruno와 Jonathan의 초상화는 난생 처음으로 아트페어라고 하는 곳, 즉 Frieze Seoul 2022에 가서 직접 내 아이폰으로 촬영한 작품들입니다. 영국의 갤러리 Annely Juda Fine Art에서 출품하여 강남 코엑스에 전시한 작품이었습니다.
날씨 시리즈
<비(Rain)>는 날씨를 어떻게 표현할 것인가에 대한 회화적 탐구의 결과물로, ‘날씨 시리즈’ 중 하나입니다.
‘날씨’는 호크니가 자연주의적 양식(보이는 것을 사실적으로 표현하는 움직임)에 집중하던 시기의 대표작으로, 그중 <비>는 석판화 안료의 희석액과 묘사 대상인 물이 완벽한 조화를 이루고 있다는 점에서 주목할 만합니다. 빗물을 표현하는 푸른 잉크를 석판화 플레이트의 바깥으로 자연스럽게 흐르게 하는 기법으로 작품의 테두리를 모호하게 하고, 물웅덩이의 중앙에서 바깥까지 번짐의 농도에 점진적으로 변화를 주어 깊이감을 담았습니다. 여기에도 곧게 뻗은 흰색의 물줄기와, 이 물방울들이 바닥에 떨어져서 생기는 포물선을 섬세하게 표현해고 있습니다. 허공에서 떨어지고 있는 물(흰색)과 바닥에 고인 물(푸른색)의 움직임을 동시에 포착한, 또 하나의 색다른 작품이라고 할 수 있습니다.
런던의 빅토리아 앨버트 박물관(the Victoria and Albert Museum)에는 다음과 같은 각주가 있습니다.
“데이비드 호크니는 1964년에 처음으로 캘리포니아를 방문했고 1978년에 그곳에 영구적으로 정착하기로 결정할 때까지 수시로 방문하고 일했습니다. 1965년 그는 판화 스튜디오 Gemini GEL을 운영한 마스터 프린터인 Ken Tyler와 함께 판화 모음집인 A Hollywood Collection작업을 했습니다. 1965년과 1973년 사이에 그는 쌍둥이자리의 다른 판화를 만들었지만, Weather Series는 그곳에서 제작된 두 번째 주요 작품입니다. 일본 판화의 날씨 표현에서 부분적으로 영감을 받았습니다. 잿빛 하늘을 배경으로 내리는 눈에 의해 부드러워진 구릉지, 오른쪽에 눈으로 덮인 가지가 단순하게 묘사된 이 이미지는 장면에 스케일을 부여하는 세 개의 부드러운 갈색 모양의 집같은 형체가 가장 일본적인 느낌을 줍니다.”
(계속)
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