중절모자를 쓴 남자의 모습은 마그리트의 1926년 작품 <Les rêveries du promeneur solitaire(외로운 방랑자의 성찰)>에서 처음 등장했습니다. 그 이후 중절모를 쓴 남자는 마그리트의 작품에서 부르주아, 익명의 얼굴 없는 대중, 일상적인 노동자, 외로운 방랑자의 상징으로 기능하였습니다. <L’ami intime(친밀한 친구)>에서도 익명의 중절모자를 쓴 남자가 실루엣처럼 등장하고 있습니다. 산이 우거진 풍경과 구름이 가득한 하늘을 바라보는 그는 자신의 등뒤에 떠 있는 바게트와 와인잔을 전혀 인식하지 못한 듯합니다.
Rene Magritte의 작품 <Teacher(The schoolmaster)>는 검은 중절모를 쓴 남자의 이미지에 헌정된 수십 개의 작품 중 하나입니다. 그는 1926년 작품 <외로운 보행자의 생각(Lonely Walker's Thoughts)>에서 처음 등장했고, 1년 후 <밤의 의미(The meaning of the night)>를 장식했습니다. 그 후 1951년까지 이 신비한 캐릭터를 잊어버렸다가 다시 <판도라의 상자(Pandora's Box)>에 등장했습니다.
1953년, 마그리트는 벨기에의 가장 잘 알려진 작품 중 하나인 <골콘다>에서 중산모의 남자들을 온통 비처럼 하늘에서 내려오는 이미지를 만들었습니다. 그리고 <Teacher>가 제작되었습니다. <사람의 아들(1964)>을 포함하여 이러한 반복적인 이미지 속에 있는 정절모 남자의 얼굴을 관객은 볼 수가 없습니다. 검은 옷을 입은 남자는 등을 돌리거나 얼굴이 사과나 새처럼 다른 것에 가려져 있기 때문입니다. 얼굴묘사하는 게 어려우니까 쉬운 그림 그리기의 방편이었을까요? 설마 그렇기야 하겠습니까. 암튼, 이 신비한 캐릭터의 성격은 이후 Magritte 자신에게 귀속되었습니다.
르네 마그리트의 작업을 관통하는 중심 아이디어는 그림은 시여야 하고 시는 신비를 불러일으켜야 한다는 것이었습니다. 키워드는 "미스터리"입니다. 미스터리란 숨겨진 무언가, 혹은 비밀스러운 무언가에 대한 생각을 드러낸 것입니다. 그들 중 일부는 또한 종교적이거나 신비로운 의미로 표시됩니다. 다시 말해, 교회나 종교 교리에 따르면 이러한 "신비"를 꿰뚫기 위해서는 일종의 입문을 받아야 합니다. 그렇지 않으면 영원히 이해할 수 없을 것입니다.
중산모를 쓴 남자가 관람자에게 등을 대고 서 있고, 산드로 보티첼리(Sandro Botticelli)의 Primavera에 있는 식물상이 코트 위에 놓여 있습니다. 이 작업은 Magritte가 일반적으로 사용하였던 장치의 일례에 해당합니다. 단지 작은 물체를 앞에 놓아서 물체를 부분적으로 숨기던 상황이 더 큰 이미지를 세움으로써 중절모 남자에 대한 액세스를 완전 거부하는 것이 차이라면 차이라고 할 수 있겠습니다.
작품 <피레네의 성채>를 보고 느끼는 감정은 어떤 것입니까? 초현실적인 배치와 표현에 대해 아름다움을 느끼십니까? 아니면 언제 뒤집어질 지 모른다는 불안감이 증폭되어 오는가요?
바위는 허공에 떠 있으며 더구나 바다 위에 위치하여 저 바위 꼭대기의 성채는 언제 뒤집힐런지 또 언제 바닷물 속으로 가라앉을지 알 수 없는 상태입니다. 일본 영화감독 미야자키 하야오가 제작한 <하울의 움직이는 성>처럼 신비로운 운행을 계속하리라는 믿음은 존재하지 않기 때문이죠.
<피레네의 성채>는 육중한 바위섬을 하늘에 떠 있게 하여 시각적인 충격을 주었습니다. 자연법칙을 뒤집어 놓는 거대한 바위섬을 등장시킴으로써 마그리트는 예측이 가능한 시공간의 관점을 뒤집고 유니크한 집념과 집착의 시공간으로 재현하였습니다. 거대한 바윗덩어리 위에는 옅은 황토색으로 채색한 중세양식의 성곽이 육중(肉重)하게 자리 잡고 있습니다. 성곽은 기존의 현실의 세계와 분리된 형체로 서 있는데, 이는 아마도 지난 20세기 산업화의 격랑 속에서 고립되어 온 현대인이 황량한 사회 속에서 느꼈던 외로움과 소외감을 일종의 은유(隱喩) 한 것일 수도 있습니다.
작품에서 '유리 열쇠'가 어디 숨겨져 있는 건지 한참을 찾아보았습니다.
결국 찾지 못했는데 그럼 유리 열쇠란 저 앞에 계란처럼 서 있는 바위를 일컫는 것일까요?
AI에게 물었더니 아래와 같이 답변을 해주었습니다.
이 바위는 비슷한 형태와 기하학적 특성으로 유리 열쇠를 상징할 수 있습니다. 계란 모양은 마그리트의 다른 작품에서도 자주 등장하는 형태로, "잠재적인 가능성"이나 "어떤 새로운 시작"을 상징할 수 있습니다.
이 바위가 유리 열쇠를 대신하는 것으로 해석되는 이유는, "열쇠"라는 개념이 물리적인 현실을 넘어서서 정신적 또는 상징적인 의미를 지닐 수 있기 때문입니다. The Glass Key에서 '유리 열쇠'는 구체적인 물체가 아닌, 더 넓은 의미를 담고 있습니다. 예를 들어, 유리라는 재료는 투명성, 취약성, 그리고 불완전함을 나타내며, 바위의 세운 형태는 그 자체로 기이한 비정상성을 가집니다.
<걸작 또는 지평선의 신비(The masterpiece or the Mysteries of the Horizon)>는 황혼의 야외에 서 있는 중산모를 쓴 세 남자를 묘사하고 있습니다. 그들은 같은 공간을 공유하는 듯하지만 서로 다른 현실에 존재하는 것처럼 보입니다. 각각 다른 방향을 향하고 있고 각 인물 위의 하늘에는 별도의 초승달이 있기 때문입니다.
앞에서도 언급한 바 있듯이, 중산모를 쓴 남자들은 마그리트의 1926년 그림 <The Musings of the Solitary Walker>에서 시작되어 작품에 지속적으로 등장했습니다. 마그리트 자신도 중산모를 쓰고 있는 모습으로 작품에 자주 등장하고 있습니다.
이 작품은 서유럽 일주여행때 방문한 적이 있던 루트비히 뮤지엄 소장품이군요. 그런데 그림 감상한 기억이 없는 것은 왜일까요? 작품에 등장하는 새와 물고기는 아마도 서로 다른 환경에서 살아가는 생물을 통하여 의식과 무의식이나 이성과 감정 등을 상징적으로 표현한 게 아닐까 싶습니다.
신들의 분노가 의도하는 게 뭔지, 그림을 보고 있어도 감이 잡히지 않습니다. <길 잃은 기수>의 변형판으로 해석하기도 하는 작품 <신神의 분노>에서 길 잃은 기수와 말이 자동차를 타고 넘는 장면은 무엇을 말하려는 것일까요? 그리고 신들이 왜 분노하는 것입니까?
르네 아저씨, 작품에 대한 설명이 너무 인색한듯 합니다.
<대가족(La Grande Famille)>은 언뜻 보면 인간이든 아니든 가족의 이미지가 없기 때문에 제목의 적절성에 대한 질문을 제기할 수 있습니다. 그러나 Magritte는 시청자를 혼란스럽게 만드는 데 큰 즐거움을 얻는 것으로 유명했기 때문에 이는 놀라운 일이 아닙니다.
대가족의 배경은 황량한 하늘을 보여줍니다. 폭풍우가 오기 직전이거나 수평선의 분홍색 불빛이 폭풍우의 끝을 의미하는 것일까요? 아래로 굽이치는 바다와 함께 불길한 구름은 격렬한 감정을 불러일으킵니다. 아마도 가족이 종종 함께 견뎌야 하는 시련과 고난을 상징하는 것 같습니다.
한편, 암울한 주변 환경과 평화의 상징인 흰새의 앞머리 사이에는 뚜렷한 대비가 형성됩니다. 창문처럼 생긴 이 새는 아름다운 여름날의 따스함을 느끼게 하는 하얀 솜털 구름과 함께 잔잔한 푸른 하늘을 실루엣 안에 드러냅니다. 새는 가족 단위 내의 화합과 사랑을 잘 나타낼 수 있습니다. 마그리트는 화합과 불화를 묘사하면서 상징적 초현실주의를 통해 적절하고 강렬한 감정을 불러일으켜 대가족의 개념을 묘사한 듯합니다.
작품 <The Son of Man(사람의 아들)>에서 등장하는 남성모델은 René Magritte 자신입니다. 그림은 외투를 입은 남자와 짧은 벽 앞에 서있는 중산모, 그 너머에 펼쳐지는 바다와 흐린 하늘로 이루어져 있습니다. 남자의 얼굴은 떠 다니는 녹색 사과에 의해 대부분 가려져 있으나 사과 가장자리 너머로 남자의 눈이 엿보입니다. 또 다른 미묘한 특징은 남자의 왼팔이 팔꿈치에서 뒤로 구부러진 것처럼 보이는 것입니다. 즉, 왼팔은 앞뒤가 바뀐 형상으로 그렸던 것이거나 혹은 그가 이후에 태어난 코레아의 문제적 인간, 대통령 후보까지 되어 도깨비감투를 훔쳐가려 하는 이 아무개를 예언하기라도 한 것인지 모르겠습니다.
그림에 대해 Magritte는 다음과 같이 말했습니다.
"적어도 얼굴을 부분적으로 숨겼습니다. 그래서 당신은 명백한 얼굴, 사과, 눈에 보이기는 하지만 숨겨져 있는 사람의 얼굴을 가지고 있습니다. 그것은 끊임없이 일어나는 일입니다. 우리가 보는 모든 것은 다른 것을 숨기고 있으므로, 우리는 항상 숨겨진 것을 보고 싶어 합니다. 숨겨져 있어 우리에게 보여주지 않는 것에 관심이 있습니다. 이러한 관심은 숨겨져 있는 것과 보이는 것 사이의 일종의 갈등과 같은 매우 강렬한 느낌을 불러일으킵니다."
<사람의 아들>은 비슷한 이미지를 특징으로 하는 또 다른 Magritte 그림인 <The Great War on Façades (La Grande Guerre Façades)>와 비슷합니다. 둘 다 바다가 내려다 보이는 벽 앞에 서 있는 사람을 그렸습니다. 그러나 Façades에서는 우산을 들고 있는 여성의 얼굴이 꽃으로 덮여 있습니다. 남자의 얼굴이 사과가 아닌 새에 의해 가려진 비슷한 그림인 <Man in the Bowler Hat>도 있습니다.
Magritte는 그의 그림에서 중산모를 쓴 남자의 이미지를 사용했습니다. 이 그림은 마그리트의 다른 그림들만큼 잘 알려져 있지 않을 수도 있지만, 마그리트의 잘 알려진 작품인 <사람의 아들>을 떠올리게 합니다.
그림과 그 세부 사항을 관찰하면 남자의 얼굴은 마치 Magritte가 사진을 "찰칵"한 것처럼 프레임 속으로 비둘기가 날아든 장면으로 가려져 있습니다. 새는 남자의 왼쪽에서 오른쪽으로 빛을 향해 날아가고 있습니다. 우리는 사람의 눈을 보지 못하지만 새의 왼쪽 눈을 봅니다. <The Son of Man>에서는 남자의 왼쪽 눈을 볼 수 있습니다. 이 작품 속 남자의 넥타이는 <사람의 아들>에 등장하는 밝은 빨간 넥타이에 비해 옅은 분홍색입니다. 그리고 <사람의 아들>과 달리 이 그림은 남자의 근접 "어깨" 샷입니다. 그의 뒤에 있는 파란색 배경은 하늘인지 인물 사진을 찍기 위한 배경인지 식별하기가 어렵습니다.
마그리트를 매료시키고 그를 동료 초현실주의자들과 매우 다르게 만든 것은 신비와 경이로움이었습니다. Joan Miro가 "자동적" 접근 방식을 지지하여 무의식이 선을 결정하게 하고 Dali가 꿈의 세계로 손을 뻗어 후기 작품에서 3차원 및 구상 예술로 돌아간 반면, Magritte는 평면 차원과 정지된 이미지의 규범을 엄격하게 유지했습니다. 그가 원했고 그의 최고의 작품에서 성취한 것은 관객에게 도전을 주는 것이 아니라 구체성과 현재로부터 해방된 삶을 바라보도록 흥미를 유발하는 것이었습니다.
‘거짓 거울’이 깨진 자리에 해가 떠오릅니다. 우리가 보고 경험했던 풍경은 깨지고 새로운 풍경이 떠오르는 것입니다. 이를 통해 마그리트는 ‘우리가 볼 수 없는 의식’ 외에도 ‘새로운 세계’가 있다는 것을 강조했습니다. 이러한 마그리트의 철학은 회화가 ‘재현의 도구’가 아니라 ‘사고의 도구’로 전환될 수 있음을 강조하는 것입니다.(출처 : 최지혜 예술칼럼)
초현실주의는 일상적인 지각이 가능한 장면의 사실주의적 묘사를 초월합니다. 정신 분석이라는 새로운 분야의 영향을 받아 초현실주의자들은 마음의 무의식적 작용과 무의식이 작용하는 상징을 밝히기 위해 꿈 분석과 같은 기술을 사용했습니다.
이 그림은 슈스터 포크(Schuster fork)와 같은 기법을 사용하여 마음이 불가능을 어떻게 구성하는지 보여줍니다. 마음은 분리된 요소들을 "일관된" 전체로 결합합니다. 따라서 말은 배경이 되는 잔디의 패치(patch)에 의해 양분되고 있습니다. 또한 나무줄기 중 하나는 말 앞에 있지만 그 밑 부분은 말 뒤에 있습니다. 이러한 요소는 숲의 라이더에 대한 우리의 개념과 일치하지 않는 것입니다. 예를 들어, 오클루전의 반전(reversal of occlusions)은 일관된 이미지를 생성하기에 충분하기 때문에 오클루전 환상(occlusion/폐색 illusion)으로 간주(적합)됩니다.
언뜻 보기에 René Magritte의 <Décalcomanie>는 자신의 실루엣 옆에 서있는 남자를 보여줍니다. 중산모를 쓴 남자는 친숙한 이미지로 Magritte의 작품 전반에 걸쳐 다시 등장합니다. 그 남자와 그의 부재는 관객에게서 멀어져 흰 구름이 드리워진 푸른 하늘을 배경으로 텅 빈 해변과 평평한 바다를 응시합니다. 마치 이 순간 시간이 멈춘 듯한 이미지는 관람자로 하여금 피할 수 없는 고요함을 자아내게 합니다.
구도의 절반을 덮고 있는 커튼에서 남자의 실루엣이 잘려나간 듯합니다. 자세히 보면 실제로 실루엣이 완전히 같지 않다는 것을 알 수 있습니다. 커튼의 일부가 남자의 윤곽에서 약간 왜곡되어 보입니다. 프로필은 저 너머의 세계를 보는 일종의 렌즈가 됩니다.
마그리트는 대부분의 현대 회화의 문체적 산만함을 피하는 접근 방식을 개발하고 싶었습니다. 막스 에른스트(Max Ernst), 만 레이(Man Ray), 살바도르 달리(Salvador Dali)와 같은 다른 초현실주의자들이 새로운 기법을 실험한 반면, 마그리트는 자신의 그림의 내용을 명확하게 표현하는 무표정하고 예시적인 기법에 안착했습니다.
반복은 마그리트에게 중요한 전략이었으며, 개별 그림 내에서 모티프를 다루는 방법을 알려줄 뿐만 아니라 그의 가장 위대한 작품 중 일부를 여러 장 복사하도록 장려했습니다. 이 아이디어에 대한 그의 관심은 부분적으로 반복이 트라우마의 징후인 지그문트 프로이트(Sigmund Freud)의 정신분석학에서 비롯되었을 수 있습니다. 그러나 그의 상업 예술 작품은 독특하고 독창적인 예술 작품에 대한 전통적인 모더니즘적 믿음에 의문을 제기하게 만드는 역할을 했을 수도 있습니다.
- The End -
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