(전회에 이어서)
1900년 직전, 클림트는 풍경을 작품의 모티브로 삼게 됩니다. 그는 여름마다 에밀리 프뢰게 및 그녀 가족과 함께 시골에 정기적으로 체류하였는데 이때 중요한 영감을 얻었던 같습니다. 1898년 그는 에밀리 프뢰게 가족과 오스트리아 잘츠카머구트에 위치한 할슈테터 호수의 장크트 아가타에서 첫여름을 보냈는데, 이곳에서 과일나무가 있고 먹이를 찾는 닭 떼를 묘사한 작품 <After the Rain>을 제작합니다.
높고 좁은 사이즈롤 제작된 작품에서 과일나무들이 엇갈리게 배열되어 있고 위로 올라갈수록 작아지는 하얀 새들과 초원 위에는 중구난방으로 날뛰는 하얀 닭들이 그려져 묘한 깊이감을 느끼게 합니다.
클림트는 풍경화를 그리면서 특유의 부드럽고 파스텔 같은 화법을 사용했습니다. 결과적으로 윤곽이 흐려져서 마치 안개가 낀 것처럼 보이는데 이 기법을 통해 클림트는 빛과 그림자의 효과를 표현하는 데 성공합니다. 또한 나무 디자인에는 점묘법의 흔적이 보이기도 합니다.
아터제 호수 주변 풍경 1
여러 평론가가 이 호수 그림이 거의 추상적이라고 생각하지만, 클림트가 호수가 불러일으키는 실제 분위기를 캔버스에 표현할 수 있었던 것은 바로 이런 급진적인 축소 덕분이었습니다. 그는 빛나는 "아터제 색상"으로 짧고 강렬한 붓놀림으로 부드러운 흐름을 만들어내어 오른쪽 위 모서리에 있는 섬으로 시선을 끌어당깁니다. 1916년에 새로운 탑이 건설되었을 때 로마의 석조 유물이 발견되기도 했던 이 섬을 클림트는 자연으로 되돌려놓았습니다. 화가는 그 이미지에서 인공적인 모든 것을 제거했습니다. 실제로 그곳에 있는 궁전인 리츠베르크 성(Schloss Litzlberg)조차도 이 그림에서 생략되었고, 부두도 마찬가지입니다. 따라서 호수는 그림에서 무한대로 흘러나오는 듯한 깨끗한 자연의 영역으로 묘사됩니다.
클림트의 첫 번째 풍경화는 대략 1897~1898년에 그린 것으로 추정되며, 당시 그는 Emilie Floge(에밀리 프뢰게)의 가족과 함께 Attersee(아터제)에서 여름을 보내고 있었습니다. 잘츠부르크 동쪽 잘츠카머구트(Salzkammergut) 지역의 심장부를 형성하는 알프스 산기슭에 자리 잡은 여러 호수 중에서 가장 조용한 곳이 바로 아터제(Attersee)입니다. 세기가 바뀔 때까지 클림트는 거의 예외 없이 이 그림 같은 호수에서 프뢰게와 함께 여름을 보냈습니다. 그의 정신적 동반자이자 평생 곁에 머물렀던 여인과 함께 대자연의 호수 위에 배 타며 사는 삶은 아무나 누릴 수 있는 행복은 아닐 겁니다. 오늘날 클림트 미술의 또 한 축을 형성하는 장식 풍경화 대부분이 이곳 아터제 인근에서 탄생했습니다. 따라서 클림트의 미술 인생을 쫓는 우리들에게 아터제 호수 그림은 필수 코스가 아닐 수 없습니다.
비엔나에서 아터제까지 가서 여름을 보내는 것은 일종의 장기 여행에 해당합니다. 프뢰게와 함께하는 이런 여행을 제외하면 클림트는 여행을 좋아하지 않았습니다. 심지어 길에서 단 며칠 만에 향수병에 걸리기도 하였던 인물이었습니다.
하지만 아터제에서 클림트는 물에 매료되어 호수를 바라보는 것만으로도 몇 시간을 보낼 수 있었고 빛과 색의 변화하는 패턴을 즐겨 관찰하였다고 합니다. 그의 작품 <Attersee 섬>(1900년에서 1907년 사이에 그가 머물렀던 같은 이름의 선술집 맞은편에 있는 Litzlberg 섬)은 확실히 그러한 선입견을 암시하는 것입니다. 그림은 인상주의적 또는 점묘주의적이라고 부를 수 있습니다. 하지만 클림트는 초월적으로 진동하는 톤을 만들기 위해 자연광의 효과를 렌더링 하려고 하지 않았습니다. 후기 인상주의뿐만 아니라 아르누보의 특징이기도 한 클림트의 높은 수평선은 이 경우 모든 구성 활동을 화면 밖으로 밀어냅니다. 그림의 90% 이상이 객관적 현실을 거의 상실하고 완전한 추상화에 접근하는 섬세하게 변조된 붓놀림 영역인 순수한 표면입니다.
<The Big Poplar II>는 우울한 색조와 작품 뒤에 있는 어두운 하위 맥락을 드러내 시청자를 현혹시키고 놀라게 합니다. 이 그림은 초자연적 요소와 신비한 질문을 통합한 1903년의 목가적 예술 작품을 선보인 것으로 The Big Poplar II의 다른 각도 버전인 Tall Poplar Tree II와 짝을 이룹니다.
두 작품 모두 땅에서 자라는 큰 포플러 나무를 묘사하지만, 완벽한 사과나무 줄이 함께 있습니다. 많은 미술 평론가들은 포플러나무가 존재하지 않았지만 클림트의 상상력에 따라 추가되었다고 믿습니다.
포플러나무와 사과나무는 모두 같은 톤으로 칠해졌으며, 나무의 잎을 묘사하기 위해 빨간색과 짙은 갈색의 색 구성표를 사용했습니다. 클림트는 캔버스에 작은 점을 사용하여 잎을 모방하는 스펀지 기법을 사용했습니다. 클림트의 인상파 기반 그림 중 다수는 이 기법을 통합하여 작가의 작품에 다른 질감을 더했습니다.
나무가 작품에 차갑고 우울한 느낌을 더하는 반면, 하늘은 색상을 엿보게 합니다. 하늘을 통해 선보이는 아름다운 색상의 혼합은 그림에 생동감을 더하는 훌륭한 혼합입니다. 짙은 하늘은 청록색, 회색, 크림색 음영으로 덮여 있으며, 서로 얽혀 구름의 깊은 환상을 더합니다. 하늘은 작품의 지평선으로 자리 잡으면서 캔버스를 길게 늘입니다. 작가는 캔버스 상단 근처의 색상을 넓히는 동시에 하단을 따라 더 미세하게 섞습니다. 이 기법은 작품에 깊이를 더해 풍경이 실제보다 더 길게 보이게 합니다.
그림 전체에 걸쳐 보이는 마지막 필수 요소는 포플러 나무 아래에 있는 변형된 집입니다. 이 집은 놀라울 정도로 혼합되어 세부 사항을 엿볼 수 없습니다. 집이 있는 이상한 형태는 마치 그림 속에 방금 나타난 것처럼 보이게 합니다. 집은 반으로 잘려 어두운 들판 위에 떠 있는 것처럼 보입니다. 배경에 있는 비정상적으로 큰 포플러 나무는 작품의 혼란을 더해 곳곳에 수수께끼 같은 질문을 남깁니다.
구스타프 클림트는 인상주의, 아르누보, 사실주의 및 유명한 금색 단계의 다양한 스타일을 통해 저명한 예술가입니다. 그의 흠잡을 데 없는 기술은 캔버스의 색상과 감정을 변형합니다. Big Polar II는 우울한 느낌과 다양한 질문을 담고 있는 반면, 신비한 그림은 캔버스 전체에 펼쳐지는 풍경을 묘사합니다.
풍경화는 1898년부터 클림트에게 매우 중요해졌습니다. 그의 시선은 서사와 신화의 형식, 특히 선형적인 복잡성보다는 자연의 빛, 개방성, 패턴으로 옮겨갔습니다.
이 기간 동안의 많은 작품에서는 꽃밭이나 울타리, 또는 캔버스 가장자리로 뻗어나간 잎이 무성하고 꽃이 핀 나무 가지가 하늘이 거의 보이지 않을 정도인 풍경을 보여줍니다. 1908년 이후의 후기 작품에서 건축물은 클림트가 휴가지에서 호수 너머나 숲을 바라보는 풍경으로 다시 등장합니다. 클림트는 오페라 안경, 망원경, 심지어 망원 카메라 렌즈를 사용했습니다.
<해바라기가 있는 농장정원(Farm Garden with Sunflower)>은 그림을 그리기 시작한 시기에 개최된 반 고흐 전시회에 영향을 받아 그린 작품으로 추정됩니다. 고흐의 해바라기에 화가의 열정이 담겨 있었다면 클림트의 해바라기는 평면적이고 장식적인 요소 안의 한 소재로 자리 잡고 있어 소박한 느낌을 줍니다. 동시대 작가인 헤베지(Ludwig Hevesi)는 이 작품에서 해바라기는 마치 요정처럼 서서 다른 꽃들과 뒤섞임으로 인하여 더욱 화려하게 피어나는 듯하다고 평한 바 있습니다.
작품 속에는 해바라기의 노란 잎과 함께 빨강, 파랑, 분홍, 보라, 하양 등 다양한 색의 꽃들이 어우러져 있습니다. 그 꽃들의 뒤로 잎의 녹색이 배경처럼 뒤덮여 있고, 꽃이나 이파리 모두 어떤 공간감이나 입체감을 드러내지 않아 장식적으로 보이고 있습니다. 특이한 느낌이 들지 않습니까? 생화를 그렸는데 장식의 일부처럼 보인다는 거 말입니다. 클림트와 친해지려면 이 점에 관대하지 않으면 안 됩니다.
1905-1907년 사이에 구스타프 클림트는 'Bauerngarten(농가 정원)'을 제작했습니다. 이 그림은 배경의 녹색 잎사귀에 얽힌 밝은 색의 꽃이 하나의 단일 구조를 이루는 것이 특징입니다. 그러나 클림트는 깊이를 만들기 위해 밝은 색에서 어두운 색으로 넘어가는 다양한 색조의 꽃을 사용했습니다.
클림트 초기작품은 우화적 구성과 여성 초상화가 주류를 형성하였지만, 1890년대 이후에는 풍경화가 관심의 대상이었습니다. 작품활동의 4분의 1을 차지할 정도였는데 이러한 변화는 비엔나 미에트케 갤러리(Galerie Miethke)에서 열린 반 고흐전을 관람한 후에 일어난 일입니다. 반 고흐가 순수 페인트와 몇 가지 전통 기법을 사용하여 화려한 색상의 풍경화를 제작한 것을 보고 클림트는 대담해졌고 훨씬 더 두꺼운 붓놀림을 사용하기 시작했습니다.
클림트의 작품 <바우어른가르텐>에서 강조된 꽃밭은 패턴과 디자인에 대한 클림트의 사랑을 표출한 것입니다. 색상의 폭동은 그의 기념비적인 작품 베토벤 프리즈(1902)의 배경을 떠올리게 합니다. 한편으로 피라미드 구조는 패턴의 강렬함에 형태와 모양을 부여하여 대조적인 적록 팔레트의 양극화 효과를 활용하고 있습니다. 그러나 클림트는 이 구성의 핵심에 파란색의 이상한 음표를 두어 색상 혼란 속에서 초점이 되도록 했습니다.
당시 그의 연인 미치에게 보낸 초기 편지에서 클림트는 에밀리와 함께한 휴가가 끊임없는 활동의 소용돌이였다고 고백했습니다. 활기찬 스포츠맨이었던 그는 매일 일어나 그림을 그리며 아침 식사를 하고, 호수에서 수영을 하고, 그림을 그리며 점심을 먹고, 낮잠을 자고 수영을 하거나 노를 저으며 차를 마신 후 다시 그림을 그리는 일상을 보냈습니다. 그는 "아무것도 하지 않으면 시간이 지나면 지루해진다"라고 적었습니다. 그는 열정적인 사람이었음이 분명합니다.
클림트는 경제적 여유가 있던 말년에 에밀리 플뢰게 그리고 그녀의 가족들과 함께 아테제 호수에 자주 드나들었습니다. 이곳은 빈에서 고요하기로 정평이 나있었습니다. 이곳에서 휴식을 취하면서 클림트는 다양한 풍경화를 그리게 됩니다. 성격이 까다로워서 작업할 때 누가 방해하는 것을 견디지 못했기 때문에 그가 그린 대부분의 풍경화는 아테제호수에서 휴식하면서 작업해 낸 것들입니다. 또한 클림트는 풍경화에 절대 인물을 그려 넣지 않았습니다.
클림트의 풍경화는 그의 후기 예술에 활력을 불어넣는 원천이라고 할 수 있습니다. 작품 <사과나무 I>은 전경의 더 큰 꽃, 그들과 나무 사이의 들판, 나무 자체, 그리고 그 너머의 무성한 잎사귀의 4개 평면으로 구분되는 듯이 보입니다. 그러나 붓놀림의 전체적인 패턴은 이것이 가짜이며 그림이 캔버스처럼 평평하다는 것을 알려줍니다. 그림 평면의 그러한 의도적인 조작은 풍경에 대한 클림트의 접근 방식에 항상 추상주의적 경향이 내재해 있던 탓입니다. 그의 초상화에서 사실주의에 대한 지속적인 충성이 요구되었다면, 그의 풍경화는 보는 방식과 목표에서 더 자유롭습니다. 풍경은 그의 작품에서 가장 순수하게 예술적인 작품으로, 형태, 색상 및 질감에 대한 화가의 기쁨을 보여줍니다. 특히 그의 보다 추상적인 후기 풍경화에서 클림트는 클로드 모네의 마지막 풍경화처럼 이러한 작품을 모더니즘의 최전선으로 가져오는 개념의 통일성을 달성했습니다.
클림트의 진정한 종교화 중 첫 번째 작품인 이 그림은 특정한 기독교적 이미지를 묘사한다는 점에서 강력한 시각적 존재감을 가지고 있습니다. 아이콘은 종교 역을 통해 자라는 야생의 활기찬 꽃 덩어리를 형성하는 생명의 기둥 구조에 고정되어 있습니다. 같은 시기의 이전 농가 풍경과 달리 공간의 깊이감이 더 커졌고, 더욱 밝고 설득력 있는 빛 관리가 가능해졌습니다. 강한 선형 느낌과 더 밝은 색상 범위로 대표되는 표현주의에 대한 클림트의 잠정적 움직임에서 빈센트 반 고흐의 지속적인 영향을 감지할 수 있습니다.
<슐로스 캄머 공원의 거리>는 구스타프 클림트가 아터제 호수 남쪽 기슭에 있는 운터라흐(Unterach) 마을 근처에서 그린 것입니다. 그는 노란색 빅토리아 스타일 건물로 이어지는 조약돌이 깔린 길 위에 화려한 녹색 나무 캐노피를 채웠습니다. 그림을 보면 바로 눈치챌 수 있겠지만 그가 사실주의를 실험하기 시작하는 경력의 마지막 단계에 제작되었음에도 불구하고 여전히 장식적 특징이 유지되고 있습니다. 그리하여 어떤 측면에서는 인공적인 아름다움을 강조한 일본식 정원을 보는 느낌이 일 때도 있는 것 같습니다. 이 작품처럼 정사각형 캔버스를 사용하여 풍경화를 그린 것은 클림트 풍경화의 특징 중 하나인데 이는 전시회에 걸릴 것을 염두에 두고 제작한 때문이라고 합니다.
가르다호수(Lake Garda) 주변 풍경
1913년 클림트는 오스트리아 알프스의 아터제 스파를 3개월간 방문하던 연례 일정 대신 이탈리아 가르다호(Lake Garda)로 갔습니다. 이것은 아마도 해외여행을 선호했던 에곤 실레의 영향이 커진 것으로 추정됩니다. 빛이나 풍경 변화가 뒤따르는 이국적인 풍취 때문일까요? 클림트는 오스트리아에서처럼 물 위의 보트에서 주변 풍경을 그렸지만 주제, 파노라마, 조명, 형태가 변형된 처리를 보여주고 있습니다. 그의 오스트리아 풍경화에서 자주 목격되는 폐쇄적인 스타일과는 달리 광대한 느낌을 살린 작품입니다.
일부 비평가들은 변화의 원인으로 큐비즘을 지적합니다. 클림트는 파블로 피카소와 조르주 브라크의 작품이 전시된 파리를 방문하여 큐비즘을 접하게 되었습니다. 이 기간 동안 실레는 입체주의적 접근 방식을 탐구한 풍경화를 남긴 것으로 보아, 두 사람 모두 이 새로운 미학의 역동적인 의미를 논의했을 것입니다. 하지만 클림트의 작품에 큐비즘적 경향은 극히 제한적으로 드러나고 있을 뿐입니다. 애석하게도 이 작품 역시 슐로스 임멘도르프 화재로 소실되었습니다.
장식적 스타일이 강하게 남아있는 이 풍경화 역시 이탈리아 북부 가르다호수(Lake Garda)에 머물면서 제작한 것입니다. 당시 클림트는 에밀리 프뢰게, 그녀의 가족과 함께 이곳에 머물렀고, 이 기간 동안 세 개의 그림을 완성했습니다. <카소네의 교회>는 가르다호와 주변 건축물을 묘사한 것 중에서 마지막으로 그린 것입니다. 기슭에 위치한 것이 '카소네의 교회(Church in Cassone)'이며, 작품 속에는 이탈리아에서 쉽게 목격할 수 있는 풍부한 패턴의 녹색 사이프러스 나무가 부드러운 석조 건물과 멋진 대조를 이루고 있습니다.
아터제 호수 주변 풍경 2
1914년, 클림트는 아터제로 돌아와 전통적인 풍경 스타일의 작업을 재개했습니다. 더 밝은 색상이 스며들었고, 전경의 꽃은 십자가(1911-12)에서처럼 개성과 형태의 요소를 나타내기 위해 검은색 테두리를 점점 더 많이 사용하면서 더 생동감 있게 표현되었습니다. 이 빌라는 클림트와 에밀리 프뢰게가 머물렀던 곳일 가능성이 있습니다.
꽃 카펫이 마치 장벽처럼 집 앞 입구에 쌓여 있어서, 그것을 넘어가는 것은 허락받지 않으면 불가능할 듯이 보입니다. 솔베르그가 그린 작품 중에 들판을 카펫처럼 직자강형으로 수놓은 흰색꽃 그림이 있는데 불현듯 그 모습이 떠올랐습니다. 서로 참조한 것일까요?
암튼, 1914년은 클림트가 살았던 오스트리아에 경천동지 할 일이 일어난 해입니다. 그것은 1914년 6월, 오스트리아 왕위 계승자가 사라예보에서 암살당한 사건인데 그로 인해7월에 오스트리아가 세르비아에 전쟁을 선포하게 됩니다. 바로 1차 세계대전이 발발한 것입니다. 이는 오스트리아-헝가리 제국의 붕괴와 클림트가 알고 있던 비엔나의 종말을 의미했습니다.
1915년작 <Unterach on Lake Attersee>는 같은 휴가 기간 동안 호수에서 멀리 떨어진 Unterach 마을의 더 긴 파노라마 샷을 다룬 작품입니다. 클림트가 먼 풍경을 담을 때 즐겨 사용했던 오페라글라스를 사용하여 그렸기 때문에 다른 작품들과 비율이 확연히 다릅니다. 마을은 멀리서 인식되기는 하지만 실제보다 훨씬 가깝게 보이는 것처럼 묘사되어 있습니다.
세잔과 반 고흐의 작품에서 영감을 받아 Unterach on Attersee 표면을 가로지르는 다양한 청록색 붓놀림이 표현되어 있습니다. 클림트가 인상파 화가들보다 한 발 늦게 세상에 나왔으니 당연한 얘기가 되겠네요. 암튼, 세잔과 반 고흐가 클림트에게 영향을 끼쳤다는 이야기를 들으면 서유럽 화가들은 비슷비슷한 시대에 태어나 서로들 참 치열하게 그림 그리는데 열중했었구나 라는 생각을 하게 됩니다. 그렇다고 세잔과 고흐가 클림트보다 더 위대함을 입증하는 얘기는 아닙니다. 세상에 나온 시차로 인하여 야기된 일들이니..
아터 호숫가에 있는 운테라흐(Unterach) 교회를 그린 작품입니다. 에밀리 프뢰게의 다른 친척들도 거주하던 동네였습니다.
Klimt는 독특한 양파 모양의 돔이 있는 Unterach 교회 첨탑에 거주했습니다.
보트 하우스의 아치는 위의 나무와 교회 자체의 뾰족한 아치에서 재현되고, 돔의 붉은색은 그림 전체에 걸쳐 창문과 지붕에 울려 퍼지며 밝은 초점을 제공하여 그림 표면을 가로질러 눈을 계속 움직이게 합니다. Klimt의 작품에는 일반적으로 수평선 어딘가에 배치하여 소실점으로 눈을 이끄는 원근감이 없기 때문에 관객의 관심을 끌기 위해 이러한 빨간색 하이라이트를 추가해야 했습니다. 건물의 드라마틱한 정면 위치는 일련의 장벽을 제시하여 시선이 먼 곳으로 쏠리는 것을 방지하고 보는 사람이 나무와 건물 주변에서 길을 찾도록 합니다.
작품 <쇤브룬 공원>은 합스부르크 왕가의 주요 여름 거주지인 쇤브룬 궁전 정원에 있는 공원 중 하나를 묘사한 것으로, 비엔나 히칭(Hietzing Vienna)에 있습니다.
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