Beethoven Frieze
클림트가 참여하였던 빈 분리파 예술가들은 제체시온 전시관에 자신들의 철학과 가치를 공유하는 위대한 음악가의 기념 전시회를 개최하였습니다. 특히 1902년, 제14회 분리파 전시회에 초대된 작품인 독일 조각가 클링거(Max Klinger)의 베토벤 상과 함께 동일 주제를 구현하는 대형벽화를 의뢰하여 제작하게 되었으니 그것이 바로 구스타프 클림트의 <베토벤 프리즈(The Beethoven Frieze)>입니다.
세 개의 벽을 휘돌아가면서 그려진, 길이 34m, 높이 2m에 이르는 클림트의 프레스코 벽화는 오늘날 베토벤 상보다 더 유명해져 빈 분리파의 상징으로 여겨지고 있습니다. 현재 Beethoven Frieze는 Vienna Secession Building의 지하실에서 영구 전시되고 있습니다.
"환희여, 아름다운 신의 빛이여, 오 세상에 입맞춤을 해주리라~"
독일 시인 실러의 가사에 맞춰 베토벤이 작곡한 교향곡 제 9번 ‘합창’ 가운데 제4악장 ‘환희의 송가’의 한 부분입니다. <베토벤 프리즈>는 합창교향곡에 대한 바그너의 해석을 클림트가 재현해 낸 것으로 모두 다섯 부분으로 이뤄져 있습니다. 존경하는 베토벤의 음악을 벽화의 형식을 빌어 시각적으로 형상화한 것입니다.
프리즈는 외부의 악의 세력뿐만 아니라 내부의 약점과도 씨름하는 고통스럽고 폭풍우가 몰아치는 세상에서 행복에 대한 인간의 갈망을 구현한 작품입니다. 관람객들은 시각적이고 선형적인 방식으로 발견의 여정을 떠납니다. 그것은 떠다니는 요정 Genii가 지구를 탐색하듯 부드럽게 시작하지만 곧 사악한 폭풍 거인 Typhoeus, 그의 세 고르곤 딸(three Gorgon daughters), 그리고 그위의 질병, 광기, 죽음, 정욕 및 방탕을 나타내는 이미지로 이어집니다. 그 후 자신의 야망과 고통받는 인간들에 대한 동정으로 희망을 제시하는 빛나는 갑옷을 입은 기사를 만납니다. 여행은 마침내 예술을 통해 기쁨을 발견하는 것으로 끝이 나고, 만족감은 키스의 친밀한 포옹으로 시각화됩니다.
한 마디로 요약하면,
프리즈는 개인과 공동체의 탐색과 예술의 아름다움을 통해 궁극적으로 충족되는 인간의 심리적 갈망을 설명해줍니다.
The Desire for Happiness(행복에 대한 갈망)
입구 왼쪽 맞은편 첫 번째 긴 벽에 위치해 있습니다. 벽화에서 "고통스러운 인간성(Painful Humanity)"은 잘 무장한 "강력하고 무장한(Powerful and Armed)"은 행복을 위해 싸우라는 기도를 묘사합니다. 또한 열정과 자비도 같은 방향으로 묘사되어 있습니다.
왼쪽 첫 번째 부분, 홀의 꼭대기에 떠다니는 요정들이 묘사되어 있습니다. 요정들의 머리카락은 금박과 장식 요소가 사용되었고, 마른 체형의 물결치는 존재들이 공간의 상단부를 리드미컬하게 흐르는 형국입니다. 이들은 첫 번째 벽에서 마지막 벽까지 공통요소로 표현되어 장면을 통합하는 기능을 합니다. 일종의 긴 사슬을 형성하는 이 요정들은 행복에 대한 열정을 우화적으로 보여주는 장치입니다.
고통받는 세 명의 인간이 기도하는 장면을 담고 있습니다. 인물은 나체상태의 창백한 모습으로 표현되었는데 등고선에 의해 공간의 색상에서 분리됩니다. 앞에 무릎을 꿇은 커플은 손을 앞으로 내밀고 그들이 구세주로 여기는 강력한 기사에게 행복을 위해 싸우라고 간청합니다.
칼을 든 기사가 서 있습니다. 갑옷, 칼, 그리고 땅에 있는 헬멧은 무겁게 도금되었습니다. 그 인물 뒤에는 두 명의 여성 인물이 있는데, 한 명은 관객을 응시하고 다른 한 명은 두 손을 접고 있습니다. 이 두 여성 인물은 열정과 자비를 상징하며, 기사가 행복과 싸우도록 격려하는 내면의 동기를 표현하는 것입니다. 기도하는 고통받는 인간이나 두 여성 인물은 모두 잘 무장한 기사가 행복에 도달하기 위한 노력을 다하도록 압력을 가하는 장치입니다.
Enemy Forces(적대적 세력들)
프리즈가 계속되는 중앙의 짧은 벽에 적대적 세력이 묘사되어 있습니다.
신들조차 헛되이 싸웠던 거인 티폰, 그의 딸들, 정욕과 음탕함, 절제 불능과 갉아먹는 근심을 상징하는 세 고르곤(Gorgons)들이 바로 그것입니다.
Typhon, Typhoeus, Typhaon 또는 Typhos로 불리는 이 거대한 뱀 모양의 거인은 그리스 신화에서 가장 치명적인 생물 중 하나였습니다. 신들조차 싸우기를 두려워하는 사악한 힘을 가진 괴물입니다. 이 괴물은 머리가 백 개이고 입에서 불꽃을 뿜습니다. 뱀 꼬리와 날개 달린 원숭이로 묘사된 거대한 티폰은 오른쪽으로 계속되는 푸른 날개와 뱀과 같은 확장부로 자신을 과시하고 있습니다.
티폰의 오른쪽에는 티폰의 세 딸이 묘사되어 있습니다. 뱀 털을 가진 여성 괴물로 알려진 이들은 신화 속에서 시선만으로 남자를 돌로 만드는 존재들입니다. 세 명의 알몸 여성 인물이 서로 다른 자세를 취하고 있으며 이들 뒤에는 인류를 괴롭히는 세 가지 악, 질병, 광기, 죽음의 끔찍한 얼굴이 있습니다.
고르곤은 그리스 신화에 나오는 생물로, 그리스 문학의 초기 사례에서 나타납니다. 고르곤에 대한 설명은 다양하지만 가장 일반적으로 이 용어는 살아있는 머리카락, 독사, 그리고 그들을 보는 사람들을 돌로 만든 무시무시한 얼굴로 만든 세 자매를 지칭합니다.
티폰의 왼쪽(관객에게는 오른쪽)에 있는 세 명의 여성 인물은 극단주의, 정욕, 부도덕을 표현합니다. 극단주의는 배가 큰 여성인데 몸의 상체는 알몸인 옆모습으로 묘사됩니다. 파란색 치마는 진주 구슬과 청동 고리로 장식되어 있습니다. 그녀 위에는 정욕과 부도덕을 대표하는 존재가 있습니다. 한 명은 정욕적인 모습, 다른 한 명은 유혹적인 표정으로 상징됩니다.
티폰의 푸른 날개와 뱀의 뻗음 아래에 병들고 약한 여성 모습이 나타났습니다. 여성은 음란함과 죽음 사이에서 불확실하게 흔들리고 있습니다. 프리즈의 오른쪽 위 모서리에는 티폰 뱀의 뻗음 사이에 얼굴만 있는 요정이 있습니다. 요정은 모든 악 위로 강하게 날아다니면서 빠져나갔습니다.
Ode to Joy(기쁨의 송가)
프리즈의 마지막 부분은 오른쪽에 있는 두 번째로 긴 벽입니다. 행복에 대한 그의 열정은 시에서 평온함에 도달하고, 인간은 예술의 마법에 사로잡히고 순수한 형태로 사랑과 기쁨을 찾습니다.
리라를 훔치는 여성 인물(아마 '시'라 명명한 존재인 듯)이 리라를 보여줍니다. 에덴동산의 가장자리에서 시는 그가 훔친 리라(lyre)로 모든 종류의 문제를 해소합니다. 리라를 훔치는 여성은 행복을 가져올 것입니다.
5명의 여성 인물이 등장하는데 이들은 황금빛 잎사귀에 실려 순수한 기쁨, 행복, 사랑이 있는 이상적인 세계로 인도됩니다. 상위 3명의 여성은 천사 합창단과 그들이 말하는 기쁨의 송가를 가리키며 시선을 유도합니다.
각 인물, 형태, 색상, 움직임을 반복하여 리듬감 있는 질서를 형성했습니다. 인물의 발은 공중을 나는 듯합니다. 베토벤의 교향곡 9번, 환희의 송가의 마지막 부분은 그의 시 "천국의 천사" 합창단을 연주합니다:
"저기 수백만 명이여, 포옹을 받아라!
이 키스를 전 세계에 전해라!"…
전 세계에 키스하라
천사 합창단 앞에서 근육질의 남성이 여성을 껴안고 키스하는 모습을 그렸습니다. 근육질의 남성은 앞서 등장하였던 무장한 기사이며 그는 내적, 외적 압력의 동기로 모든 악에 맞선 바 있습니다. 이 마지막 장면은 그가 예술과 시의 지원을 받아 승리(해피엔딩)하였음을 보여줍니다. 바로 '키스'로 말이죠.
https://www.pivada.com/en/gustav-klimt-the-beethoven-frieze
Beethoven Frizi - Gustav Klimt
Gustav Klimt ve arkadaşları 1898'den 1905'e Sezession Binası'nda (Sezession Sarayı) çalışmalarını sergilerler. 1902 grup için önemli bir yıl olur. On dördüncü sergilerini özel bir sanat olayına, bütüncül bir sanat deneyimine dönüştü
www.pivada.com
Klimt University of Vienna Ceiling Paintings
Klimt University of Vienna Ceiling Paintings는 1900~1907년 사이에 비엔나 대학교 그레이트 홀의 천장을 장식하기 위해 Gustav Klimt가 만든 일련의 그림입니다. 1894년 클림트는 천장을 그리는 일을 의뢰받았고, 마침내 철학, 의학, 법학의 주제로 표현된 작품을 발표하자 클림트는 비엔나 평론가와 대중으로부터 '포르노그라피'와 '변태적 과잉'이라는 지적을 받으며 공격을 당했습니다. 그리하여 어떤 그림도 대학에 전시하지 못했습니다. 그 후 2차 대전이 끝나면서 1945년 5월 나치의 SS군이 퇴각할 때 이 그림들은 모두 파괴되었습니다.
<의학(Medicine)>은 1901년 3월 제10차 탈퇴 박람회에서 발표된 두 번째 그림이었습니다. 이 작품은 그림의 오른쪽에 생명의 강을 나타내는 누드 인물의 기둥을 특징으로 삼고, 그 옆에는 생명을 상징하는 갓난아기를 발치에 모두운 채 우주를 떠돌아다니는 젊은 나체 여성이 그려져 있었습니다. 해골은 생명의 강에서 죽음을 상징했습니다. 떠 다니는 여자와 시체의 강 사이의 유일한 연결 고리는 뒤에서 볼 때 여자와 남자의 두 팔입니다. 그림의 맨 아래에 정면을 주시하며 서 있는 건강의 여신 Hygieia(히게이아)는 Aesculapian 뱀을 팔에 두르고 Lethe(망각)의 잔을 손에 든 채 인류에게 등을 돌려 정면을 주시할 뿐입니다. 클림트는 작품에서 삶과 죽음의 모호한 통일성을 전달했으며, 그림 속에 의학이나 치유 과학의 역할에 대한 아무런 묘사도 하지 않았습니다.
1901년 이 그림이 전시되자 그는 비평가들의 공격을 받았습니다. 화가가 의사의 두 가지 주요 업적인 예방과 치료를 무시했다는 사설도 실렸습니다. 결국 비엔나 대학의 교수진 87명이 벽화에 반대하는 시위를 했고, 1901년 검찰이 소환되어 오스트리아 의회까지 문제를 제기합니다. 그림은 1904년 미주리주 세인트루이스에서 열린 루이지애나 구매 박람회의 초청을 받았지만 관람객의 반응을 우려한 정부가 전시를 거절했습니다.
그 후 클림트는 자신의 일을 계속하기 위해 위원회를 사임했는데, 내무부는 그의 작품들이 이미 국가의 재산이라고 주장했습니다. 그러자 감정이 격앙된 클림트는 그림의 소유권을 주장하며 산탄총으로 철거 직원을 위협하기까지 합니다. 결국 클림트는 후원자 중 한 명인 아우구스트 레더러의 지원으로 선금 30,000 크라운을 갚은 후 작품 <철학>을 돌려받습니다. 그리고 1911년에 Klimt의 친구이자 동료 예술가인 Koloman Moser가 <Medicine>과 <Jurisprudence>를 구입합니다.
작품의 운명은 기구했습니다. <Medicine>은 종국적으로 유태인 가족이 소유했고 1938년에 나치에게 압수당합니다. 1943년 보호를 위해 오스트리아의 임멘도르프 성으로 옮겨졌지만 1945년 5월 퇴각하는 독일 SS군이 성에 불을 질러 소각되고 맙니다. 이제 남은 것은 스케치와 몇 장의 사진뿐, 특히 <Medicine>은 파괴되기 직전에 찍은 단 한 장의 사진만 남았습니다. 당시만 해도 컬러사진이 일반화되지 않은 시대라 흑백사진뿐...
<법학(Jurisprudence)>도 불안으로 가득 차 있습니다.
세 명의 여성 분노와 바다 괴물에 둘러싸인 사형 선고를 받은 등이 굽은 남자(노인)가 묘사되어 있고 배경에는 진실, 정의, 법의 세 여신이 지켜보고 있습니다. 그들은 문어의 치명적인 포옹으로 사형수를 처벌하는 Eumenides로 표시됩니다. 법학에서의 갈등이 "사이코-섹슈얼"로 여겨져 온 것은 놀라운 일이 아닙니다.
<철학(Philosophy)>은 1900년 3월에 열린 제7차 비엔나 분리파 박람회에서 오스트리아 정부에 제출하였던 세 장의 그림 중 첫 번째 그림이었습니다. 이 그림은 파리 만국박람회에서 금메달을 수상했지만 그의 조국 오스트리아에서는 공격을 받았습니다. 클림트는 그림을 다음과 같이 묘사했습니다.
"왼쪽에는 인물들의 그룹, 생명의 시작, 결실, 쇠퇴, 오른쪽에는 신비로서의 지구.
아래에 떠오르는 빛의 형상: 지식."
비평가들은 목적 없는 황홀 속에 떠도는 남녀의 묘사에 혼란을 겪었습니다.
작품 제목이 철학이군요.
그렇다면 작품 감상도 철학적으로 시도해야 하지 않을까 싶습니다.
하지만 제가 철학과 친하지 않아서 어려운 미션이 됩니다.
암튼, 작품은 맨 아래 여성의 또렷한 얼굴이 '지식'이라고 말하고 있는 것으로 보아 그 위에 떠도는 흐릿한 형상들은 인간사 덧없이 반복되는 생로병사의 흐름을 보여주는 것은 아닐까 싶습니다.
우리네 삶의 덧없음,
혹은 꿈같은 삶의 진실을 직시하라는 것인가요?
원작품 색상 복원결과
아래의 그림은 1945년 화재로 소실되고 흑백 사진만 남아 있던 것을 '구글 아트 앤 컬처'와 '벨베데레'가 함께 개발한 디지털 플랫폼 "클림트 대 클림트"로 그림의 원래 색상을 재구성한 것입니다.
여기에는 인공지능이 핵심적인 역할을 했습니다.
The Tree of Life, Stoclet Frieze, 1905
구스타프 클림트의 유명한 벽화인 생명의 나무, 스토클레 프리즈는 화가의 황금기에 제작된 유일한 풍경화입니다.
생명나무의 소용돌이치는 가지는 신화적 상징주의를 만들어내며, 삶의 영속성을 암시합니다. 가지는 꼬이고, 돌고, 나선형으로 움직이고, 물결치며 삶의 복잡성을 표현합니다. 또한 가지가 하늘을 향해 뻗어 있는 동시에 땅에 튼튼한 뿌리를 내려 하늘과 땅 사이의 연결을 만듭니다.
'생명의 나무, 스토클레 프리즈'가 가지고 있는 중요한 특징 중 하나는 관객이 그림을 감상하고 의미를 파악하는데 많은 시간을 할애하도록 요청하고 있다는 것입니다. 작가가 풍부한 상징, 페인트용 금, 기타 호화로운 기법을 사용하여 마법의 세계를 묘사하는 동안, 한 마리의 검은 새가 관객의 시선을 그림의 중앙으로 끌어당깁니다. 검은 새는 시작이 있는 모든 것에는 끝이 있다는 것을 상기시켜 줍니다.
중앙에 서있는 나무는 나선형 줄기를 자랑하며 뻗어나간다. 마치 봄비를 맞은 잠든 뿌리가 깨어나 하늘을 향해 춤추는 듯하다. 중력을 거스르는 발레리나의 꿈을 닮은 나무의 생명력이, 같은 듯 다른 나선형 순환을 거듭한다. 동일한 순환의 형태를 띠지만 나선형은 원과는 다르다. 원은 단순히 같은 크기의 순환을 반복하며, 다른 원들과는 상호 떨어진 단절형이다. 나선형은 확대와 축소, 상승과 하강을 아우르며 상호 연결되어 있다. 내부와 외부를 향한 변화와 성장의 여백까지 포함된 순환이다. 순환을 향한 변화의 방향마저 공유하는 연결형 순환이다. 나무 오른쪽 중간에는 검은 새가, 포옹의 충만함으로 넘쳐나는 연인들을 향해 앉아 있다. 검은 새는 죽음을 나타낸다. 황금빛을 배경으로 한 생명의 나무에 죽음의 새가 한 알의 열매로 열려 있는 듯하다. 생명은 언제든 날아가거나 떨어져, 죽음으로 이어질 수 있다는 것을 상징화한 것이리라. 살아 있음의 완성은, 유기체적 생명이 죽음으로 흘러간 자리에, 새로운 것이 채워지는 순환성에 있다. 나무 본래의 꼴은 유지하되, 태어나고 죽는 것과 흐르고 변하는 것이 유기적으로 연결되는 순환이야말로 생명력의 본질이라는 것을 알려준다.
클림트는 왼쪽에 배치된 <기다림>이라는 소주제로 여인을 그려 넣었습니다. 여기서 이 여인의 옆모습을 묘사하면서 몸은 정면을 향하도록 그렸습니다. 이런 언밸런스한 표현법은 이집트 벽화에서 자주 보게 되는 기법입니다. 환상적인 분위기를 살리고자 신화적 요소를 차용한 것으로 추정됩니다.
작품 <Fulfillment>은 스토클레 저택 식당의 <생명의 나무> 부분으로 <기다림>이라는 작품 맞은편에 있습니다. 그림에 묘사된 동양적인 의상은 클림트의 오리엔탈리즘과 비잔틴에 대한 우호적 취향을 드러냅니다. 사방팔방으로 뻗어나간 금색 나뭇가지가 배경을 이루는 가운데 서있는 연인은 꿈꾸듯 서로에게 집착하고 있는 모습입니다. 남녀의 포옹하고 있는 이 장면은 뒤에 제작된 <The Kiss>에서 그대로 다시 부활합니다.
Villa Stoclet(빌라 스토클레)는 은행가이자 예술 애호가인 Adolphe Stoclet을 위해 벨기에 브뤼셀의 Woluwe-Saint-Pierre 지역에 건축가 Josef Hoffmann이 지은 개인 맨션입니다. 빈 분리파 회원인 Hoffman의 걸작으로 여겨지는 Stoclet의 집은 20세기의 가장 세련되고 호화로운 개인 주택 중 하나로 1905년과 1911년 사이에 건설되었습니다. 저택에는 여전히 Stoclet 가족이 살고 있으며 외부 공개되지 않습니다. 2009년 6월 유네스코에 의해 세계 문화유산으로 지정되었습니다.
스토클레 프리즈에서 클림트는 서로 상반되고 보완되는 다양한 요소를 혼합하여 상징성을 표현합니다. 아르누보에서 영감을 받은 기하학적 모양은 유기적으로 공존하여 조화롭고 균형 잡힌 전체를 만듭니다. 밝고 대조적인 색상도 이러한 이중성을 강조합니다. 금색과 은색은 영원과 신성을 상징하는 반면 어두운 색조는 지구와 물질을 떠올리게 합니다. 다른 한편으로 스토클레 프리즈인 생명의 나무는 인본주의적이고 영적인 메시지를 전달합니다. 나무를 하늘과 땅의 연결 고리로 표현함으로써 클림트는 인간 상태에 대한 낙관적인 비전을 표현하였습니다.
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