Edward Hopper(에드워드 호퍼) / 4 - 풍경화

 

 

 

 

(전회에 이어서)

 

 

 

 

20세기 미국 도시인의 소외감을 기가 막히게 표현한 마지막 구상화가 에드워드 호퍼

그는 인물화 뿐만 아니라 풍경화에서 조차 고독, 외로움, 소외감을

처연하게 묘사하였습니다.

 

미국이라는 나라가 불과 200년 남짓한 짧은 역사를 가지고 태동한 것임에도 불구하고

예술분야, 특히 미술에서 현재 세계를 리드하고 있는데요,

그러한 기반을 구축한 데에는

역시 위대한 화가들의 존재를 빼놓을 수 없을 겁니다.

 

사실주의 화가로 2명,

그리고 추상, 추상표현, 팝아트 등에서 현란하게 빛을 발하는 화가들이 등장했죠.

에드워드 호퍼는 앤드루 와이어스와 함께

위대한 미국 사실주의 화가 2인 중 한 사람으로

제가 언젠가 미국을 가보려 마음먹는다면 아마도 그건

그의 작품을 알현하기 위함일 것입니다.

 

이제 그의 미술세계, 마지막 잔치를 화려하게 장식할

풍경화 그룹을 소개합니다.

 

 

 

Road in Maine, 1914, 61.6 × 74.3cm [Whitney Museum of American Art, New York]

The Mansard Roof(망사드 지붕), 1923, Watercolor, 50.8 x 35.6 cm [Brooklyn Museum, New York City, NY, US]

 

1923년, 에드워드 호퍼(Edward Hopper)는 마흔 살이었고, 많은 것을 시도했지만 여전히 유명하지 않았습니다. 그때 미래의 아내인 조세핀을 만났습니다. 두 사람은 모두 뉴욕 예술 학교의 미술 학생이었습니다. 그녀는 그에게 유명한 해안가 글로스터에 가도록 했고, 그에게 수채화를 그리도록 설득했습니다. 그러나 그는 해안의 그림을 그린 것이 아니라 빅토리아 맨션의 그림을 그렸습니다.

 

건물에는 대칭이 없지만 Hopper는 정면이 아닌 균형을 주는 각도에서 건물을 묘사하기로 결정했습니다. 그 당시 이런 저택은 추하고 유행에 뒤떨어지고 끔찍해서 사람들이 좋아하지 않았습니다. 그들은 그것이 저속한 스타일이라고 생각했습니다. 호퍼는 과거의 상징으로 유행에서 벗어난 그림을 그린 최초의 화가 중 한 명이었습니다. 그는 이 주제를 선택함으로써 사람들로 하여금 변화를 고려하도록 강요했고 실제로 1920년대에는 이민, 인종, 술, 성별 등 많은 변화가 있었습니다. 호퍼는 근대 미술을 거부하고 과거 황금기를 떠올리는 구 미국 편을 선택했습니다. 결론적으로 이 그림은 성공적이어서 호퍼는 상을 받았고 브루클린 박물관에 그림을 판매할 수 있었습니다.

 

House by the Railroad, 1925 , 61 x 73.7cm [MoMA]

 

<House by the Railroad(철도 옆의 집)>는 다른 Hopper 작품과 마찬가지로 단순히 제목보다 훨씬 많은 것을 나타냅니다. 독특한 Mansard 지붕이 있는 이 3 층짜리 빅토리안(Victorian) 주택은 철로 트랙으로 인하여 관측자와 단절된 상향 평면에 홀로 앉아 있는 것처럼 보입니다. Hopper는 집 내부에도 그림자를 그려 넣어 실내에 거주하는 사람들과의 접촉과 철로가 상징하는 현대 삶의 위협적인 행진을 모두 차단하였습니다.

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집 자체는 호퍼가 자주 방문하였던 뉴잉글랜드(New England) 마을과 그의 고향 록랜드 카운티(Rockland County)에서 흔히 볼 수 있는 것입니다. 그림은 1930년에 새로 설립된 현대 미술관(Museum of Modern Art)에서 영구 소장품으로 구입하였습니다. Hopper는 나중에 알프레드 히치콕 (Alfred Hitchcock)이 1960년에 제작한 영화 '사이코 (Psycho)'에서 그 집을 작품의 영감을 불어 넣는데 사용했다는 사실을 알고 매우 기뻐했습니다.

 

Universalist Church, 1926, Watercolor over graphite on cream wove paper [Princeton University Art Museum]

Roofs, Washington Square, 1926, watercolor over charcoal on paper, 33.3 × 49.4cm

DrugStore, 1927, oil on canvas, 102 x 74cm [Museum of Fine Arts (MFA), Boston, MA, US]

Lighthouse Hill, 1927, 72 x 100 cm [Dallas Museum of Art]

 

<등대 언덕>은 언덕 위의 시골집과 등대를 사실적으로 표현한 작품입니다. 푸른 하늘에 고요한 경치이지만 구불구불한 언덕을 가로질러 바깥쪽으로 기어가는 그림자 처리는 다소 불안한 분위기를 연출하고 있습니다. 마치 집이 관람객에게 우울함을 퍼뜨리는 것 같습니다. 원근법은 그림에 불안을 더하며, 집의 위치가 관객의 시선보다 높아 지배하는 느낌을 줍니다.

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이 작품의 초점은 Lighthouse와 Cottage라는 두 가지 건축 구조입니다. 

                                                                      

그들은 세심한 디테일, 깨끗한 가장자리 및 밝은 흰색 하이라이트를 포함합니다. 그에 비해 풍경은 몇 개의 큰 모양으로 이루어져 있어 디테일이 부족하고, 붓질도 거친 스타일로 칠해졌습니다. 시골집(Cottage)은 중앙에 배치된 연고로 즉시 보는 사람의 시선을 사로잡습니다. Hopper는 평화로운 주제를 사용하여 구성, 색상 및 원근법을 통해 불안한 분위기를 묘사하는 특출난 재주를 가지고 있는데 이 그림에서도 그런 요소들이 잘 드러나고 있습니다.

 

Box Factory, Gloucester, 1928, Watercolor and pencil on paper, 35.2 x 50.5 cm

The Lighthouse at Two Lights, 1929, oil on canvas, 74.9 x 109.9 cm [The Met]

 

이 작품에서 호퍼는 넓게 펼쳐진 푸른 하늘을 배경으로 등대의 드라마틱한 실루엣을 분리했습니다. 미 동북부에 있는 여름 별장지로 유명한 메인주 케이프엘리자베스의 바위 곶에 위치한 건축물은 밝은 햇빛으로 덮혀 있습니다. 당당하게 똑바로 서 있는 Two Lights의 등대는 아래쪽에서 올려다보면 변화나 자연에 복종하려는 성향을 단호히 배격하는 상징처럼 여겨집니다. 1914년부터 메인주에서 여름휴가를 보내던 호퍼는 등대에 사로잡혔는지 여러 점을 남겼습니다.

 

Railroad Sunset, 1929, 74.5 x 122.2 cm [Whitney Museum of American Art]

 

<철도 일몰(Railroad Sunset)> 역시 호퍼를 대표하는 작품 중 하나입니다. 붉은 오렌지, 보라색, 금색, 파란색의 지층을 가진 무한한 지평선이 가로지르는 공간에 스위치 타워만 독창적인 존재로 우뚝 서 있습니다. 그 모습은 거의 외경스러운 느낌마저 불러일으킵니다. <철도 일몰>은 Josephine이 Whitney에게 기증한 Hopper의 작품 3,000 개 중 하나입니다.

 

Early Sunday Morning, 1930, oil on canvas, 89.4 × 153 cm [Whitney Museum of American Art]

 

<이른 일요일 아침>은 폐쇄적인 중소 기업의 조용하고 평화로운 장면을 묘사하고 있습니다. 그림은 일출 직후 뉴욕시 7번가의 소규모 사업체와 상점을 담은 것입니다. 길고 붉은 건물 위로 구름 한 점 없는 하늘을 펼쳐져 있습니다. 빨간색과 파란색 줄무늬 이발소 사인등이 보도의 오른쪽 출입구 앞에 놓여 있고 왼쪽에는 녹색 소화전이 있습니다. 황량하고 텅 빈 거리와 상점가는 대공황 당시 도시의 비참한 상태를 상징하는 장면입니다.

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Hopper는 제목과 달리 그림이 반드시 일요일을 묘사한 것은 아니라고 말했습니다.

이 그림의 원래 제목은 Seventh Avenue Shops였습니다.

 

The Circle Theatre, 1936, oil on canvas [Private Collection]

 

1920 년대에 성취했던 호퍼의 성공은 전후 추상 표현주의와 함께 시들었지만 여전히 그의 작품은 현대 영화 제작자, 작가, 사진가에게 영향력을 미쳤습니다. Hopper의 시각적 성숙이 절정에 달했던 1936년에 그려진 <The Circle Theatre>는 일련의 도시풍경을 그린 작품 중 하나입니다. 작품 배경은 텅 비어 있는 모습이지만 분주한 도시 풍경 안에 고립된 한 인물을 설정하고 있습니다. 그러나 전체 구도로 볼 때 인간의 고립과 우울이라는 비유가 만연해 있는 느낌입니다. 작품은 제작한 그해 12월 Whitney Museum에서 즉시 구입하였습니다.

 

Cape Cod Afternoon, 1936, oil on canvas, 86.4 x 127.2 cm

 

미국의 삭막함과 광활함을 작품으로 기록한 사실주의 화가 에드워드 호퍼(Edward Hopper)는 1936년 대공황 시기와 제2차 세계대전 직전에 <케이프 코드 오후(Cape Cod Afternoon)>를 그렸습니다. 그림은 농가와 기타 건물이 있는 시골 지역을 묘사합니다. 호퍼의 의도는 케이프 코드 생활의 고요하고 조용한 본질을 포착하는 것이었습니다.

 

The Long Leg, 1935, oil on canvas, 76.8 x 50.8 cm

 

호퍼의 작품에는 종종 항해에 대한 연상적인 이미지가 포함됩니다. 여기에서 물을 가로지르는 배의 우아한 움직임은 호퍼의 바다에 대한 애착과 항해에 대한 그의 사랑을 표현하며, 이는 그림의 고요함을 더욱 돋보이게 합니다. 그의 세대의 많은 뉴욕 예술가들처럼 호퍼도 뉴잉글랜드 해안으로 가서 도시의 여름을 벗어나고자 했습니다. 이 작품의 시원한 톤과 평화로운 느낌은 뉴욕의 더위와 더러움으로부터 휴식을 제공합니다. 장소는 South Truro 여름 별장에서 멀지 않은 Provincetown의 Long Point Light입니다.

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이 그림은 강한 빛과 맑은 날씨를 묘사합니다. 그는 눈이나 비가 오는 장면, 계절에 따른 색상 변화에는 거의 관심을 보이지 않았습니다. 그의 바다 풍경화는 1916년~1919년 Monhegan Island에서 그린 것입니다. <The Long Leg(1935)>는 가장 단순한 요소를 사용하여 파란색으로 채운 항해 그림인 반면, <Ground Swell(1939)>은 더 복잡한 항해를 위해 나가는 젊은이 그룹을 묘사하고 있습니다. 이는 1876년의 상징적인 Breezing Up(바람)을 연상시키는 주제입니다.

 

Ground Swell, 1939, oil on canvas, 91.9 × 127.2cm [National Gallery of Art , Washington, D.C.]

 

<Ground Swell>은 점점 커지는 파도에 직면해 있는 4명의 젊은 남자와 한 여자가 타고 있는 캣보트(catboat)를 묘사한 작품입니다. 작가는 어린 시절 조선소 인근 허드슨 강 항구에 위치한 나이액(Nyack)에서 자라면서 보트에 대해 많이 접촉할 수 있었습니다. 바다 경치와 해상 주제에 대한 열정은 그의 작품 전반에 걸쳐 드러나고 있는데 모두 나이액의 경험이 바탕이 되었습니다.

 

이 작품 속의 밝은 햇빛은 바다에 대한 호퍼의 열정을 보여주며, 이는 <Lighthouse Hill(1927)> 및 <The Long Leg(1930)>와 같은 뉴잉글랜드 등대 그림에서도 찾아볼 수 있습니다. 그럼에도 불구하고 <Ground Swell>은 단순히 바다 경관을 보여주는 것 이상의 역할을 하고 있습니다. 맑은 날인것 처럼 보이지만 부표의 어두운 모양은 보트가 거의 45도 각도로 기울어지는 상태로, 임박한 운명을 암시합니다. 유럽에서 전쟁이 발발한 1939년 8월과 9월 사이에 Hopper의 Cape Cod 스튜디오에서 제작된 작품인데 이는 불확실한 미래에 직면한 현실을 상징적으로 표현한 것입니다.

 

The Lee Shore, 1941, oil on canvas, 71.8 x 109.2cm

 

에드워드 호퍼만큼 20세기 중반 미국 생활의 성격과 상황을 더 잘 포착한 예술가는 없습니다. 그의 독특하고 외로운 미학은 그의 동료화가들이 점점 추상화에 경도되어 갔음에도 불구하고 자신은 사실주의 화가로 남았습니다. 1928년 가을에 그려진 <The Lee Shore>는 작가 최고의 작품을 특징짓는 잊히지 않는 드라마와 조용한 긴장감을 구현합니다.

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물은 호퍼의 필수적인 상징 중 하나였으며 그의 예술에서 중요한 역할을 했습니다. 동시에 호퍼의 미적 성공 열쇠는 선택된 시나리오와 빛이 결합된 선의 '수평성'을 강조하는 것이었습니다. 또한 호퍼는 넓은 여백과 구체적인 초점을 혼합하여 시대정신을 표현했습니다. 작품 <The Lee Shore>는 외로움, 고립, 삶 자체에 대한 모호함 등의 주제를 잘 보여줍니다. 

 

The "Martha McKeen" of Wellfleet,1944, Oil on canvas, 81.5 x 127.5 cm

 

호퍼는 이 그림을 1944 년 8 월 10 일에 시작했지만 12 월 뉴욕으로 돌아올 때까지 완성하지 못했습니다.

그는 그의 아내보다 훨씬 젊은 커플인 Martha와 Reggie McKeen과 함께 항해하면서 그림의 영감을 받았습니다. 그는 이 항해가 너무 위험하다고 생각했다고 합니다. 혹은 항해가 너무 위험하다고 생각한 조의 견해를 따라 스스로 항해를 포기할 수밖에 없었던 것입니다. 캔버스 작업이 진행되는 동안 Hopper는 철도 부두에 있는 생선집에서 갈매기를 연구하기 위해 프로빈스타운으로 갔습니다.

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이 작품은 하얀 돛과 모래톱을 배경으로 강렬한 푸른 색조가 돋보이는 인상적인 캔버스를 보여줍니니다. 햇빛은 전체 구성을 극적으로 표현하고 갈매기는 푸른 그림자를 드리웁니다. 바다의 엄청난 힘과 인간의 순간적인 조화를 효과적으로 포착한 작품입니다.

 

August in the City, 1945, oil on canvas [Norton Museum, 플로리다 USA]

 

특정 도시의 8월이 어땠는지 보여주는 <August in the City>는 Hopper의 후기 작품 중 하나로 그의 독특한 스타일을 공고히 했음을 알 수 있습니다. 단순하지만 엄격한 음영과 질감의 사용, 평평해진 배경의 느낌, 확고한 시선, 생생하고 시선을 사로잡는 색상의 사용은 모두 Hopper의 유명한 특징입니다.

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El Palacio, 1946, Watercolor on Paper [Whitney Museum of American Art]

High Noon, 1949, oil on canvas, 70 x 100 cm

 

이 작품은 인물화로 분류해야하는 건데.. 아, 실수했군요.

에드워드 호퍼의 인물은 종종 혼자이거나, 창 밖을 응시하거나, 카페 테이블에 앉아 있거나, 뉴잉글랜드 주택의 현관에 서서 바다를 바라보고 있습니다. <High Noon(정오)> 역시 그런 유형의 작품 중 하나로, 익명의 여성이 문간에 서 있는 모습을 보여주고 있습니다. 우리는 그녀의 행위에 대한 이유를 알 수 없습니다. 그녀는 누군가를 기다리고 있는 걸까요? 아니면 단순히 집 주변 풍경을 내다보고 있는 것일 수도 있습니다. 그림 상으로는 어떤 활동의 준비상황이나 예측 가능성이 잠재해있지 않습니다. 단지 그녀는 고요한 분위기 속, 햇빛을 받은 큰 집으로 둘러싸인 상태여서 지붕과 벽에 극적인 그림자를 남길뿐입니다.

 

Rooms by the Sea, 1951, Oil on canvas, 101 x 73 cm [Yale University Art Gallery, New Haven, Connecticut]

 

호퍼가 빛의 영향을 그리기 시작한 것은 파리였는데 아마도 인상파 화가의 영향에 의한 것이지 않나 싶습니다. 그의 이러한  관심은 화가 경력 전반에 걸쳐 계속되었습니다. 성공한 화가가 된 이후 그는 뉴욕시에서 살면서 대부분의 여름을 매사추세츠 주 케이프 코드(Cape Cod)에 보냈습니다. <바닷가의 방>은 바로 그곳 스튜디오 뒷문을 바라 보는 모습을 담은 작품입니다.

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열려있는 오른쪽 바로 앞에 푸른 바닷물이 출렁이고 가재도구만 보일뿐 거주자가 없는 스튜디오 내부엔 햇살이 일렁이고 있습니다. 인공 혹은 문명의 상징인 건축물과 자연의 상징인 바다는 이 작품에서 더 이상 구분된 공간이 아닌듯 서로 소통하는 모습을 보여줍니다.

 

Sun in an Empty Room, 1963, oil on canvas, 73.7 x 101.6cm [Private Collection]

 

후기 그림에서 에드워드 호퍼는 빛을 거의 물질적인 대상이 되도록 취급함으로써 세상을 보고 지각하는 경험을 표현하고자 했습니다. 빛에 대한 강조, 물질적 대상의 해체, 내부 현실을 시각화하는 능력은 그의 마지막 그림 중 하나인 <빈 방의 태양>에서 궁극적으로 표현되었습니다.

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호퍼는 외부 세계의 형태로 현실 전체를 지각하는 재능을 가지고 있었습니다. 그의 직관적인 지각 속에서 세상의 사물들은 자신의 생명력과 마주하게 되었습니다. 따라서 Hopper가 추상이나 초현실주의가 아닌 구상화를 고수한 것은 정당할 뿐만 아니라 필수적이었으며, 그의 출발점이자 목표이자 예술 수단이었습니다.

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Hopper는 세상을 보는 객관적이고 비인격적인 방식에서 감정적인 방식으로 이동했습니다. 그러나 이 감정주의는 반 고흐에서 보는 붓놀림으로 나타나지는 않았습니다. 호퍼의 붓질은 때로 얇아서 거의 금욕적인 형태였으며 반면, 그림의 구상은 날카롭고 통제되었습니다.

 

Ed Hopper – Illustration for “American Locomotive Co.”, 1944 , 1200 x 900 cm

 

 

 

 

 

- The End -