Joaquín Clausell(호아킨 클라우셀) / 1 - 멕시코 인상파 화가
호아킨 클라우셀은 누구인가?
호아킨 클라우셀은 멕시코 유카탄주 캄페체(Campeche)에서 태어났으며 젊은 시절부터 그림을 그리기 시작했습니다. 그러나 캄페체 주지사와 대립으로 20세에 멕시코 수도로 도피했습니다. 멕시코 시티로 이주하여 산 카를로스 아카데미에서 공부했으며, 그곳에서 Jose María Velasco 및 Saturnino Herran과 같은 저명한 멕시코 예술가들로부터 배웠습니다. 한편으로 그는 멕시코시티에서 법학 대학원 공부를 마쳤지만 재학 중 정부 공식행사를 방해한 혐의로 복역을 하여 졸업후 변호사시험 응시기회를 박탈당합니다. 결국 야당 신문의 기자로 취업하였는데, 1893년 타라우마라(Tarahumara)족에 대한 군사 작전을 허구로 각색한 일련의 기사 때문에 다시 감옥에 갇힙니니다. 당시 그는 재판당일 미국과 파리로 도피하여 망명생활을 시작합니다. 그렇게 나간 파리에서 인상주의를 접하고 매료되었으며 화가의 꿈을 꿉니다. 그러나 그가 그림을 그리기 시작한 것은 멕시코 복귀 후 한참 지나서였습니다.
클라우셀은 1900년대와 1920년부터 사망할 때까지 두 번의 작품 활동을 펼쳤으며, 멕시코 혁명 시기에는 작품 활동을 중단합니다. 그의 작품은 전적으로 풍경화에 집중되어 있으며, 그 풍경화 속에는 바다 그림도 포함되어 있습니다. 인상주의의 기본을 고수하였고, 일부 작품에서는 색채 실험도 행하였습니다. 그는 작업실(스튜디오) 벽에도 다양한 주제의 그림을 그렸는데, 상징주의적 요소가 가미된 작품들이 많습니다. 클라우셀은 생전에 멕시코 미술계에 발을 들여놓지는 못했지만, 디에고 리베라(Diego Rivera)와 아틀 박사(Dr. Atl) 같은 예술가들의 높은 평가을 받았다고 합니다.
Clausell은 멕시코 미술 아카데미의 회원이 되었으며 당시 멕시코 최고의 풍경화가 중 한 명이었습니다. 그의 작품은 풍경화에서 빛과 색상을 사용하는 것이 특징입니다. 그가 그린 이미지는 흔히 풍경, 산, 숲의 묘사, 석호, 폭포, 해안선의 묘사, 꽃, 사람, 동물을 포함하고 있습니다. 그는 국립공원, 운하, 바다에 이르기까지 조국의 풍부한 풍경을 폭넓게 다루며 대담한 색상 실험을 향한 성향을 통해 자신만의 풍경을 만들었습니다. 풍경화가로서의 그의 지위는 관객들에게 변호사이자 정치 운동가로서의 그의 이중 지위에 대한 힌트를 전혀 제공하지 않습니다(그는 한 번 이상 투옥되었습니다). 그러나 그는 자신의 스튜디오 벽에 눈에 띄는 프레스코화를 남겼는데, 이는 그가 개인적으로 정치적, 개인적, 상징적 의미를 지닌 주제를 다루었음을 알려줍니다.
이제 그의 작품은 멕시코 시티의 국립 인류학 박물관과 보스턴의 미술관을 포함하여 멕시코와 전 세계의 주요 박물관에서 찾아볼 수 있습니다. 그는 19세기말과 20세기 초의 가장 중요한 멕시코 화가 중 한 사람으로서의 그의 유산은 그의 작품을 통해 계속 이어지고 있습니다. 1995년 멕시코 국립 미술관에서 그의 작품에 대한 헌정식이 거행되었으며, 이후 그에 대한 대중 인지도가 높아졌습니다. 개인적으로는 인상파로부터 물려받은 유산이 간직된 그의 풍경화가 아름다우며 품격이 있어 보입니다. 마음에 듭니다.
바다 풍경화
<Atardecer en el mar(바다의 일몰)>에서 Clausell은 맥동하는 바다 풍경을 표현하였습니다. 파도는 거대한 성난 구름 아래 어둡고 불길한 바다에서 나옵니다. 작가는 붉은색과 오렌지색을 선택하여 하늘 위의 하늘을 향해 닫히는 물결 모양의 파도를 묘사하였습니다. 이 선택은 바다의 진한 파란색 톤과 배경의 청회색 구름과 대조됩니다. 색상 선택은 장면의 위협성과 숭고한 품질을 부여합니다.
소치밀코 운하는 멕시코시티의 가장 상징적인 장소 중 하나이자 인기 있는 관광지입니다. 이 그림은 두 개의 주요 평면을 중심으로 구성됩니다. 전경은 캔버스의 대부분을 차지하고 노란색, 녹색, 파란색, 빨간색의 다채롭고 생생한 팔레트로 소치밀코의 물을 묘사합니다. 물에 반사된 색조는 운하 제방에 위치한 일련의 건물에서 나오는 것처럼 보입니다. Clausell은 관객에게 호숫가를 살짝 보여 주기로 결정하고 트라히네라 보트(Trajinera boat)와 건물 하부 벽의 작은 부분과 함께 풍부한 초목을 보여줍니다. 전체 그림은 짧은 임파스토 붓놀림으로 완성되었습니다.
소치밀코 운하는 멕시코인들에게 역사적, 생태학적 중요성을 지니고 있습니다. 소치밀코라는 이름은 원주민 나와틀어로 "꽃밭"을 의미하는데, 이는 이 운하가 히스패닉 이전 시대에 농작물을 재배하는 데 사용되었기 때문입니다. 게다가 이 운하(1987년에 세계문화유산으로 지정됨)에는 아후에호테(버드나무의 일종), 아홀로틀(양서류의 일종) 등 다양한 고유종 및 멸종 위기종의 서식지가 있습니다. 이 작품에서 Clausell은 보는 사람의 각도를 낮추어 물에 반사되는 색상에 초점을 맞춥니다. 그는 전체 풍경을 제시하기보다는 주로 물에 초점을 맞추기로 선택하여 멕시코 민족의식에 매우 확고하게 뿌리를 둔 위치에 대한 보다 특이한 표현을 만들어 냈습니다.
풍경화
클라우젤에 대한 유럽 인상주의의 영향을 가장 직접적으로 보여주는 작품 중 하나인 <Paisaje>는 두껍고 유려한 붓놀림으로 탁 트인 풍경을 그린 작품입니다. 전경에는 질감이 있는 필드가 녹색, 노란색, 파란색, 주황색의 다양한 톤으로 시야를 덮고 있으며 초원은 피사로와 시슬리의 스타일을 연상시킵니다. 들판의 유동적인 형태에 대비하여 멀리 있는 푸른 탑은 더 어두운 수액 녹색과 푸른 색조의 초목으로 뒤덮인 배경의 리듬과 구성으로 부서집니다. 위의 하늘은 코발트 블루, 흰색, 노란색의 다양한 톤으로 표현되며 초원의 동일한 유려한 붓놀림을 보여줍니다.
이 작품은 Clausell의 인상주의 시각적 언어에 대한 지배력과 그가 멕시코 풍경을 통해 그 특성을 어떻게 번역할 수 있었는지 명확하게 보여줍니다. 그는 빛이 자기 앞에 있는 풍경에 미치는 미묘하고 일시적인 변화에 대한 비전을 불러일으키는 색상의 숙달을 보여줍니다. 이것은 풍경에서 현대성의 흔적을 제거하는 이상화된 자연의 비전입니다. Clausell은 인간 존재에 대한 증거로 탑만 남겼지만, 그 포함은 균형 잡힌 구성으로 인해 깨졌습니다. 붓놀림과 색상 선택은 프랑스 인상파의 상징이지만, 시간이 지나면 예술가는 인상주의에 대한 보다 개인적이고 실험적인 접근 방식을 개발하여 더 잘 알려지게 될 것입니다.
그의 가장 대표적인 숲 장면 중 하나로 간주되는 이 작품은 그의 다른 풍경화와 마찬가지로 야외에서 인상주의적 표현으로 그려졌습니다. 그러나 작가는 모네나 피사로에게서 배운 스타일을 충실히 재현하지 않고 오히려 멕시코 풍경의 독특한 본질을 더 많이 포착하기 위해 자신의 스타일을 적용하였습니다. 이 그림에서는 작가의 잘 알려진 파스텔 같은 붓터치와 생동감 넘치고 실험적인 색상팔레트가 조합되어 전통적인 인상주의 접근 방식을 실제로 재해석한 강렬한 색채의 풍경을 만들어냅니다.
클라우젤의 가장 인상적인 작품으로 손꼽히는 <푸엔테스 브로탄테스(Fuentes Brotantes)/보스케 아즐(Bosque Azul)>은 멕시코시티 틀랄판(Tlalpan)의 국립공원을 묘사하고 있습니다. 작가는 유명해진 이 숲 풍경을 그리면서 숲 바닥을 흐르는 지류를 묘사하기 위해 자연스럽지 않은 파란색을 선택합니다. 하지만 파란색은 물에만 국한되지 않고 대부분의 나무 줄기에도 같은 색조가 적용되었습니다. 풀밭 묘사에는 파란색, 노란색, 녹색의 대비되는 조합을 선택했습니다.
이 풍경화는 인상주의보다는 후기 인상주의 양식에 더 가깝습니다. 실제로 이 그림은 클라우젤의 가장 실험적인 작품 중 하나입니다. 채도가 높은 색조와 풍경의 질감과 윤곽을 재현하는 붓놀림은 반 고흐와 세잔의 영향을 보여줍니다.
<El Pedregal (The Scree)>에서 Clausell은 멕시코의 산악 풍경을 묘사합니다. 여기서 'Scree'는 산이나 언덕의 측면에 느슨한 바위가 있거나 느슨한 돌, 자갈로 덮인 경사면을 의미합니다. 전경에 묘사한 것이 바위 지형인가요? 물가인줄 알았는데 사진으로 보니 현장감을 못 느끼게 됩니다. 붓터치는 임파스토 브러시 스트로크로 촉각적 특성을 표현하였다고 해설되어 있네요. 그렇다면 역시 인상파 화가의 영향을 받은 흔적이 남아 있는 작품으로 보아야겠습니다.
바위의 색상은 파란색과 보라색으로 표현했습니다. 저는 작품 제목에 제시된 풍경보다는 그 뒤에 펼쳐져있는 푸른 들판과 일련의 산들이 더 눈에 들어옵니다. 산은 아름다운 에메랄드빛 녹색으로 표현되어 있어 주변의 덜 푸른 산과 그 뒤에 있는 흰 구름과 대조를 이루고 있습니다.
미술 평론가의 해설에 따르면 이 작품은 세잔과 피사로의 영향이 드러나 있다고 합니다. 반 고흐의 임파스토 기법에만 관심을 보였는데 어떤 구석에서 세잔과 피사로의 그림자를 찾았는지 모르겠습니다.
더 살펴봅니다. 그림이 아니라 해설판을.
아, 세잔의 영향이라는 건 기법이 아니라 구성에 관하여 Cezanne의 <Mont Saint-Victoire(1904-06)>와 유사하다는 뜻을 말하는 거군요. 그 산의 모습은 저도 기억하고 있어 어느 정도 유사성은 인정합니다.
피사로의 영향을 언급한 것은 문명의 흔적이 없는 상태와 캔버스의 촉각적인 표면에 피사로의 고요한 접근 방식을 연상시키는 점이 있다고... 영향을 받았다는 근거 혹은 증거가 그다지 핵심사항이 아닌 변죽에 해당하는 것이 아닌가 싶었습니다.
암튼, 그림은 평론가들 해설을 들으며 그들 생각에 맞추어 감상하려면 머리에 쥐가 납니다.
그냥 마음으로 보고 느끼는 게 제일 편하고 좋은 감상법인 것 같습니다.
(계속)